Sibelius y Prokofiev: Conciertos para violín
Janine Jansen, violín; Filarmónica de Oslo; Klaus Mäkelä, director (Decca)
Mientras el director de orquesta Klaus Mäkelä, de 28 años causa un impacto pulido y visceral en la sala de conciertos, las grabaciones que ha realizado hasta ahora en su meteórica carrera no le han mostrado su mejor ventaja. Ha habido un Stravinsky contundente e inerte con la Orquesta de París y un ciclo cortésmente apático de sinfonías de Sibelius con la Filarmónica de Oslo. (Pronto dejará esos conjuntos para dirigir otros más estelares: la Orquesta Real del Concertgebouw de Ámsterdam y la Orquesta Sinfónica de Chicago).
Ahora, por primera vez, el foco de uno de sus álbumes no está directamente en él, y es el mejor del grupo mediocre. La violinista Janine Jansen sigue siendo protagonista en los conciertos de Sibelius y Prokofiev (su primero) con Mäkelä y la orquesta de Oslo. Sin parecer nunca indulgente, Jansen puede ser alternativamente tenuemente delicado y tremendamente contundente, pero siempre cantor y humano. En Prokofiev, ella es la mezcla perfecta de juguetón y siniestro, y suavemente íntima en el urbano tercer movimiento. Los intérpretes suenan excelentes, liderados por Mäkelä con una especie de moderación apasionada y un fuego efectivamente controlado. La grandeza del final del concierto de Sibelius aumenta constantemente, y el final del primer movimiento de Prokofiev tiene la atmósfera dulce de un cuento de hadas. ZACHARY WOOLFE
Vijay Iyer: ‘Problema’
Jennifer Koh, violín; Proyecto de la Orquesta Moderna de Boston; Gil Rose, director (BMOP/sonido)
El pianista Vijay Iyer, una figura aclamada de la música improvisada, también compone obras “en torno” a la tradición clásica, como lo expresa en las notas de esta primera colección grabada de su música orquestal. No hay nada programático ni explícitamente político, pero todas las piezas reflejan, de alguna manera, las tensiones de la época en la que fueron creadas, de 2017 a 2019.
La obra más grande es “Trouble”, de media hora para violín y orquesta, escrita para la brillante Jennifer Koh. Puede escucharse como una meditación sobre la relación entre el individuo y el colectivo: a diferencia de un concierto tradicional, el sonido matizado y muy variado de Koh gira hacia y desde una textura orquestal espaciosa. Hay una sensación colectiva de duelo en el tercer movimiento, un memorial agonizante por Vincent Chin, un hombre chino-estadounidense asesinado en Detroit en 1982. Y en el largo y final movimiento, “Assembly”, se unen varias corrientes musicales, al principio con incertidumbre, pero finalmente triunfantes.
“Crisis Modes”, para percusión y cuerdas, que Iyer llama “un SOS de este planeta marcado”, cuenta con un movimiento medio fantasmal plagado de sonidos nocturnos bartokianos. El minimalismo es un punto de contacto audible para la pieza orquestal “Asunder”, que tiene un dinamismo que trasciende la oscuridad de su tiempo. La colección te deja agradecido por las habituales actuaciones seguras del Boston Modern Orchestra Project y con ganas de escuchar más del compositor Iyer. DAVID WEININGER
Zemlinsky: ‘Eine Florentinische Tragödie’
Ausrine Stundyte, John Lundgren, Nikolai Schukoff, vocalistas; Orquesta Filarmónica de los Países Bajos; Marc Albrecht, director (Pentatono)
Alexander von Zemlinsky vivió en el punto de inflexión del romanticismo tardío y el modernismo temprano. Si bien su música ha languidecido mucho después de haber sido prohibida en la Alemania nazi, sus defensores han organizado una exitosa campaña de redescubrimiento en los últimos años. Una ópera, “Eine Florentinische Tragödie”, una historia sobre un triángulo amoroso basada en una traducción alemana de “Una tragedia florentina” de Oscar Wilde – ha surgido de eso.
Marc Albrecht, el director de esta grabación de la Ópera Nacional Holandesa, es un devoto de la época de Zemlinsky y aquí aprovecha al máximo su tarea. Varias otras interpretaciones fuertes de la obra han enfatizado el alcance romántico. Pero Albrecht se detiene en algunas de las cualidades ácidas de la música. En todo momento, a los insinuantes riffs de oboes, clarinetes y trompetas se les da el espacio adecuado para ofrecer sus cortantes comentarios.
En el papel del comerciante Simone, el barítono John Lundgren no empieza a todo trapo. En lugar de eso, él representa el papel: en algunas coyunturas, su esposa descarriada y un príncipe calculador lo golpean de manera efectiva; en otras, da un aire de ilusión a algunas notas altas, mientras reserva su más sincero ardor para los productos que anuncia o el dinero que podría ganar. Folleto de Pentatone. Incluye el libreto en alemán y el texto en inglés, uno al lado del otro. Considerándolo todo, el drama de Wilde, alguna vez criticado por sus rápidos giros, prospera nuevamente en los espumosos y luego turbulentos baños sónicos de estas fuerzas. PAREDES DE SETH COLTER
Henselt y Bronsart: Conciertos para piano
Paul Wee, piano; Orquesta de Cámara Sueca; Michael Collins, director (Bis)
Digamos esto para el Concierto para piano de Adolf von Henselt: tuvo un comienzo decente: Clara Schumann fue la solista en su estreno en 1845 y Felix Mendelssohn estaba en el podio. También hubo un momento en que la obra atrajo a grandes pianistas como Liszt, Busoni y Rachmaninoff. Pero durante el último siglo, sólo un puñado de músicos que poseen una mente inquisitiva y una técnica igual a la del compositor – “un dios al piano”, dijo el marido de Clara, Robert – lo han intentado. Anteriormente recibió tres grabaciones, incluida una de Marc André Hamelin.
El nuevo relato de Paul Wee es extraordinario. Un abogado que toca el piano a tiempo parcial, hace que las absurdas e incesantes dificultades del concierto parezcan completamente manejables, hasta el punto de que sólo si se consulta la partitura, sus formidables desafíos ocultos se vuelven tan imponentes como sus llamativas dobles octavas. Al igual que en Wee’s grabación anterior de la transcripción de Liszt del Sinfonía “Heroica”, la sensibilidad del tacto y la profundidad de la caracterización son tan notables como el virtuoso trueno; observe la forma flexible del acompañamiento de la mano izquierda en el movimiento lento. No es menos impresionante en el más llamativo y posterior concierto de Hans Bronsart von Schellendorf, que se combina con un efecto alucinante con la enérgica Orquesta de Cámara Sueca en su emocionante final. DAVID ALEN
Ives: Sonata para piano n.° 2 y ‘Los St. Gaudens’
Donald Berman, piano (Avie)
Como todas las interpretaciones notables de la Segunda Sonata para piano de Charles Ives, “Concord, Mass., 1840-1860”, un tributo al trascendentalismo, Donald Berman se deleita con la amplitud.
La sonata incluye un experimentalismo florido (en los primeros minutos del movimiento “Emerson”), así como estados de ánimo más internos de contemplación (como en el final, “Thoreau”). En otros lugares, se pueden encontrar rastros de amabilidad con canciones de salón (“The Alcotts”) y abandono influenciado por el ragtime (“Hawthorne”). Ives incluso deja espacio para los ecos europeos, citando y transmutando la apertura de la Quinta Sinfonía de Beethoven y la marcha nupcial de “Lohengrin”.
Berman, el presidente de la Sociedad Ives, maneja maravillosamente la excepcional variedad de estilos; no rehuye la densidad difícil, ni da poca importancia a la belleza melódica. También absorbe la parte opcional para flauta, cerca del final de “Thoreau”, en su interpretación de piano solo.
En particular, Berman celebra a Ives el manitas. Ives supervisó dos ediciones publicadas de “Concord”, con décadas de diferencia. Berman reemplaza las primeras páginas del movimiento “Emerson” revisado con pasajes de la “Primera transcripción de ‘Emerson’”, que Ives escribió entre la publicación de las versiones de “Concord” (y que luego señaló que podría ser preferible a ambas introducciones). Algunos extremos de registro y gesto pueden parecer impactantes, pero a mi oído, es una idea ivesiana alternativa y gratificante, que parece estar aliada con la agitada imaginación de estilos de jazz americano contemporáneo. PAREDES DE SETH COLTER
