El ballet puede ser ballet sin importar el siglo, pero también necesita relevancia en el momento. La vida moderna, ya sea en su horror o euforia, no está separada de la forma de arte. ¿Como puede ser? Un ballet no es sólo algo bonito en un escenario. Necesita tener una razón de ser, un pulso.
Pero ¿qué ballet es ahora mismo se ha vuelto confuso. Sus ramas parecen crecer a diferentes velocidades con diferentes texturas. Algunos son gruesos y resistentes, mientras que otros son tenues y rizados en las puntas. A veces parece como si las presentaciones en vivo fueran solo extensiones de TikTok.
Lo que el ballet busca, lo que las compañías y los coreógrafos siempre deberían esforzarse, es lo opuesto: una obra de arte que sólo puede vivir en un escenario. Ése es el ballet en su forma más intocable.
Estos pensamientos estuvieron en mi mente durante el 75º aniversario del New York City Ballet, una celebración de tres temporadas que se desarrolló de septiembre a junio en el Lincoln Center. En mayo, en la gala de primavera, la compañía presentó los estrenos de Justin Peck y Amy Hall Garner.
“Como verán esta noche, nuestro nuevo trabajo promueve la visión de nuestros fundadores”, dijo Wendy Whelan, directora artística asociada de la compañía, en un discurso antes de las actuaciones. En cuanto a la temporada, añadió: “Este es el Ballet de la ciudad de Nueva York en el siglo XXI”.
Entiendo que un discurso de gala no es el lugar donde uno va a escuchar un auténtico juicio artístico. Pero lo que vi en la gala no avanzó cualquier visión. Después de bailar los bailes y hacer las reverencias, empezaron a surgir preguntas en mi mente. ¿Qué tiene el ballet para ofrecernos ahora? Y qué es ¿ballet? ¿Por qué lo hacen los coreógrafos?
City Ballet fue formado por George Balanchine y Lincoln Kirstein en 1948, con el deseo de crear un repertorio que reinventara y avanzara la danza clásica, llevándola al presente. Producir nuevos trabajos es fundamental para esa visión.
La temporada de primavera fue anunciada como una exploración de la evolución y el futuro del City Ballet. Pero en lugar de innovación, había una sensación de estancamiento. Y, sin embargo, ese deseo fundamental se hizo patente durante la temporada de invierno de la compañía: dos nuevos ballets eran señales esperanzadoras del futuro. La extraordinaria “Solitude” de Alexei Ratmansky y el hábil y musical “Concierto para dos pianos” de Tiler Peck nunca deberían salir del repertorio.
De las dos nuevas obras presentadas en la gala de primavera, una era alegre y banal, la otra seria y banal. Estuvo “Dig the Say” de Justin Peck, un pas de deux notable por los bailarines, Tiler Peck y Roman Mejia, lanzando una bola roja y su magia técnica. (Tiler Peck no tiene relación con Justin Peck.) Y estaba “Underneath, There Is Light” de Garner, una obra conjunto que se fue por el desagüe coreográfico a pesar de los intentos de animarla con cambios de vestuario y música de no menos de cinco compositores. Divagaba, cambiando el tono de una acción vivaz a un paisaje onírico que conducía a un anhelo reprimido.
“Dig the Say” tiene música de Vijay Iyer, cuya primera sección se llama “Carry the Ball”. Los bailarines del ballet saben cómo perfeccionar este tipo de juego (un baile con una pelota) y venderlo.
¿Pero son esas razones suficientes para incluirlo? El ballet, inspirado en el marco clásico del “Pas de Deux de Tchaikovsky” de Balanchine, era agradable a la vista, pero frustrante ya que las actitudes de los bailarines oscilaban entre lo lindo y lo feroz de William Forsythe. (La sombra de “Herman Schmerman Pas de Deux” de Forsythe, que Tiler Peck y Mejía también interpretaron durante la temporada, cobraba gran importancia).
Los nuevos trabajos de la temporada de invierno fueron diferentes: mostraron cómo la danza puede funcionar como una lente de alta potencia, despojando las emociones hasta su esencia. Cuando funciona, la vida se refleja en el ballet del mismo modo que el ballet permanece atemporal dentro del lapso de cualquier vida. “Solitude” de Ratmansky, inspirada en una fotografía de un padre arrodillado junto al cuerpo de su hijo muerto en Ucrania, era abrasadora: un ballet para el siglo XXI.
Y Tiler Peck, también bailarina principal, coreografió como si bailara, como si su cuerpo nadara dentro de la música: sin esfuerzo, espontáneo pero lleno de técnica deslumbrante. Ninguno de los ballets se incluyó en la temporada de primavera, que incluyó 12 obras creadas entre 1993 y 2022, pero pensé en ellos a menudo y especialmente en Peck. Conoce a Balanchine de adentro hacia afuera; este fue su homenaje a la musicalidad que aprendió a lo largo de los años bailando los ballets que él dejó. No fue radical; no se suponía que fuera así. Pero sí hizo avanzar la visión de los fundadores del City Ballet al continuar con su espíritu.
“Dig the Say” fue el trabajo número 24 de Justin Peck para la empresa; la temporada de primavera también incluyó algunos de sus ballets anteriores: “In Creases”, “Año del Conejo” y “Variaciones Pulcinella”. (Es el coreógrafo residente del City Ballet; Ratmansky es el artista residente).
En conjunto, parecían tareas coreográficas: aquí hay algo para los bailarines más jóvenes, aquí hay una versión de un ballet clásico. Justin Peck, nominado al premio Tony por “Illinoise” ha continuado con ese patrón, produciendo bailes que parecen más estudiosos que instintivos.
Muchas de las otras reposiciones de primavera se ahogaron en el sentimentalismo: la genérica “This Bitter Earth” de Christopher Wheeldon es tan espesa como lo era en 2012, mientras que “Love Letter (on shuffle)” de Kyle Abraham, con música de James Blake, sigue siendo dolorosamente melancólica y remendada. juntos. Y mientras “Tiempo de juego” de Gianna Reisen tiene un evidente atractivo en su partitura de Solange Knowles, aterriza como un trabajo vistoso de coreografía oscurecido por trajes cubiertos de cristales de Swarovski (diseñados por Alejandro Gómez Palomo). Es una reliquia de una gala de moda. Está pasado de moda.
¿Qué logró hablar del futuro? El regreso de la conmovedora y conmovedora “Cuadros de una exposición” de Ratmansky. Y dos ballets de Pam Tanowitz, una coreógrafa de danza moderna que, como un inventor, convierte los pasos de baile en frases que hacen cosquillas en el escenario. En su trabajo para el City Ballet, la danza moderna se enfrenta al ballet, pero no es combativa. Son iguales.
En “Gustave le Grey No. 1”, un pianista en el escenario se une a cuatro bailarines envueltos en largas túnicas rojas que al principio parecen oscurecer sus cuerpos hasta que los recortes revelan pies parpadeantes impulsados por piernas muy rectas. Esta temporada, el elenco era todo femenino o no binario. Su enfoque solemne, su unidad y control transformaron el ballet en una declaración feminista sobre las mujeres y la autonomía corporal.
La más larga y sustancial “La ley de los mosaicos” de Tanowitz, con Ted Hearne dirigiendo su propia partitura, estaba llena de momentos sorprendentes y animados reunidos en un todo experimental. Tanowitz le da la vuelta al vocabulario del ballet: acumulando, repitiendo, construyendo. Sus bailarines mantienen el control, hablando a través de sus cuerpos con una actitud estadounidense moderna por la que se lucha y se gana.
Pero alcanzar este nivel de rendimiento lleva tiempo. Tanowitz es más que un trabajador independiente. Ha establecido relaciones con algunos de estos bailarines a lo largo de los años y esa influencia no necesariamente termina una vez que Tanowitz deja de existir; Miriam Miller es una de esas bailarinas y en “Mosaics” muestra lo que es capaz de hacer, no sólo aquí sino en el panorama más amplio de una carrera.
La coreografía resuena. Es una búsqueda seria. Entretenido, por supuesto. ¿Pero no debería ser algo más que un entretenimiento pasajero? ¿No es eso parte de lo que se trata el ballet moderno? Encontrar y sentir ese espacio innombrable entre la alegría y el sufrimiento.
Lauren Lovette es una coreógrafa que busca eso y a menudo lo ofrece como lo hizo en un estreno reciente, “Tendu”, ambientado en Vivaldi, en el Workshop Performances de la School of American Ballet.
En el ballet, inspirado en una fotografía de Balanchine con la palma de la mano reflejando el movimiento del pie hacia adelante en ese movimiento fundamental, Lovette cristalizó la energía vivaz de ocho jóvenes estudiantes mientras estiraban su atletismo y arte hasta límites tan alegres que a veces parecían sorprenderse a sí mismos. . Fue algo único que debería perdurar con disfraces e iluminación más inspirados.
Todo fue un círculo completo para Lovette, exalumna y directora del City Ballet, y la escuela, que celebró su 90 aniversario este año. Aquí fue donde creció el ballet y nació una nueva forma de bailar estadounidense, resultado de la perseverancia y la visión de Balanchine. Hay fantasía, secretos, sombras enigmáticas dentro de la danza clásica y limpia que tanto impulsó, del mismo modo que siempre hay más que descubrir en su coreografía, en la que la búsqueda de la mujer inalcanzable es una historia continua en un mundo sin historias. .
Sus ballets te enseñan sobre el poder y el placer de prestar atención. Es una especie de creación artística para el espectador: lo que vemos pertenece a a nosotros. El ballet es un arte de otro mundo, más que unos pocos movimientos geniales unidos por un coreógrafo de moda. Y en lo que ha sido un siglo XXI extremadamente agitado, el ballet es muy importante: es un lugar de paz.
