Camille A. Brown no es una coreógrafa carente de oportunidades para mostrar su trabajo. Actualmente nominada al Tony por “Hell’s Kitchen”, tiene un estreno programado para el Festival de danza de la almohada de Jacob a finales de este verano y otro espectáculo de Broadway, un resurgimiento de “Gitano” con Audra McDonald, inauguración en diciembre.
Aun así, fue una señal de la generosidad de Brown que “Black Joy”, su programa en Harlem Stage este fin de semana, fue casi todo trabajo de sus asociados. Esto estaba en el espíritu de la temporada que cerró el programa, una edición del 25 aniversario de E-Moves, una serie de danza dedicada a brindar espacio y recursos para artistas de color. Hace veinte años, E-Moves le dio a Brown una de sus primeras oportunidades. En este programa del viernes, ella lo estaba pagando.
No es que sus cinco asociados no hayan logrado ya el éxito por sí solos. La coreografía de Mayte Natalio también está ahora en Broadway, en “Suffs”. Su “Sugar Hill”, un tributo al vecindario, fue una de las entradas más legibles y teatralmente efectivas en Harlem Stage. Al ritmo de “Harlem” de Bill Withers, tres bailarines, cada uno equipado con una almohada y una sábana, representaron las diferencias, como las describe Withers, entre el sábado por la noche y el domingo por la mañana.
Cuando el sonido de “Sugar Hill” cambió al de Nina Simone dando un sermón en el Festival Cultural de Harlem de 1969, preguntando a los negros: “¿Están listos?”, el movimiento se intensificó, adquiriendo más vocabulario y percusión de África occidental. Luego, el tiempo saltó al apagón de la ciudad de Nueva York en 1977. Una opción más audaz habría sido apagar las luces, pero en su lugar se encendieron. Ese efecto final fue un poco tosco, pero a lo largo de la pieza la coreografía se mantuvo viva sin perder su hermosa ligereza.
Chloe O. Davis, una destacada bailarina de “Hell’s Kitchen”, ofreció un extracto de su obra “The Memorial”. A sus bailarines se unieron en la procesión la violinista Erica Spyres y la magnífica voz de la soprano Kimberli Render. En un escenario que de otro modo estaría vacío, los bailarines volcaron una caja de recuerdos llena de fotografías, esparciendo el contenido al girar. Mientras Render cantaba “Quiero que Jesús camine conmigo”, bailaron el espíritu con golpes de pies o avanzaron lentamente por el suelo sobre sus espaldas. El aspecto físico parecía estar obrando a través del dolor.
Si bien la coreografía de Davis se vio obstaculizada por cierta confusión y opacidad, esos defectos fueron más evidentes en las selecciones de sus homólogos masculinos. “Esa dama, parte 1” de Rickey Tripp fue otro homenaje, este a la abuela del coreógrafo, representada por un sombrero de dama digno de la iglesia. La música volvió a ser Withers: una grabación en vivo de “Grandma’s Hands”. El dulce bailarín Joshua Dawson interpretó bien a un niño, pero la coreografía no logró completar la canción.
Juel D. Lane también tenía en mente la gratitud hacia las mujeres. Su “Ella” fue, según una nota del programa, “una carta de amor a las mujeres negras”. Pero aquí la música, de Leo RA Soul, carecía de estructura para ser de mucha ayuda. La bailarina solista, Gabrielle Loren, parecía potencialmente poderosa (“realmente mala”, como dijo una voz), pero el poder de la coreografía fracasó.
El “Breakthrough” de Maleek Washington parecía tener más que ver con la indisponibilidad emocional de los hombres. Comenzó con Elyse S. Morris y Marcus Williams bailando lentamente un clásico del romance, “Sweet Love” de Anita Baker, pero algo andaba mal, ya que Williams seguía retrocediendo durante los estribillos. Luego, la escena pasó a una sesión de terapia de pareja, empañada por un diálogo torpe y una entrega entrecortada, durante la cual Williams comunicó su temor de que algo saliera mal. El supuesto avance fue presentado de manera poco convincente como un ejercicio terapéutico, en el que los dos amantes tenían la tarea de expresar sus sentimientos a través del movimiento.
Bueno, sí, esa es la idea. El programa terminó con “Turf” de Brown, en el que dos chicos de la esquina mantienen una conversación sin palabras. Que sus sentimientos sean comprensibles y no del todo parafraseables fue señal de una voz coreográfica más desarrollada. Sus asociados están siguiendo su ejemplo, pero éste sigue siendo su territorio.
