¿Quién debería subir al escenario de un festival internacional de teatro? Es una pregunta espinosa para los programadores, que tienen cupos limitados para llenar. Los artistas ya famosos generan ganancias de taquilla predecibles, pero la imagen del “mundo” que ofrecen rara vez se extiende más allá de un pequeño grupo de países.
El Festival de Avignon, en Francia, tiene la suerte de poder salirse de los circuitos habituales. Cada verano, atrae a un gran público que viene a vivir la experiencia de una ciudad repleta de teatro, en lugar de producciones individuales. Los artistas del programa oficial suelen actuar ante multitudes que agotan las entradas, independientemente de su reputación, y muchos directores de Avignon han tomado esto como una señal para experimentar.
Y la edición de este año, con el creador teatral portugués Tiago Rodrigues al frente, parecía ir aún más lejos. De los 38 artistas que figuraban en el programa, más de la mitad eran nuevos en Avignon y muchos eran desconocidos en Francia. A lo largo de la primera semana del festival, los focos brillaron una y otra vez sobre aficionados y artistas de países raramente representados en los grandes escenarios europeos.
Algunos, como los ex reclusos sudamericanos que protagonizan “Los días fuera” de Lola Arias, que se presenta en la Ópera Grand Avignon, expresaron directamente desde el escenario su incredulidad por estar allí. Una intérprete mostró un tatuaje de la Torre Eiffel en su cuerpo y explicó que su sueño había sido ver Francia y que ahora, después de una pausa silenciosa durante el espectáculo, lo había logrado.
“Los días afuera” forma parte del homenaje de esta edición al teatro en español. Rodrigues pone énfasis en un idioma diferente cada año y, tras un tímido énfasis en el inglés en 2023, esta vez va mucho más allá, con 12 producciones —aproximadamente un tercio de la oferta del festival— interpretadas en español, de países como España, Argentina, Uruguay y Perú.
En “Los días afuera”, las vidas de cinco mujeres y un hombre trans de Argentina ciertamente dan lugar a un material desgarrador. Arias, cineasta, escritor y director que ganó el Premio Internacional Ibsen de este añoEn 2019, comenzó a ofrecer talleres en una prisión de mujeres. Filmó una película musical, “Reas”, sobre la vida cotidiana de las personas que conoció allí. “The Days Outside” es una especie de secuela teatral, centrada en la vida que les espera a las reclusas cuando salen de sus celdas.
Arias tiene cuidado de no presentarlos como víctimas. En cambio, cuando comienza el espectáculo, aparecen frente al telón con sus mejores galas. Declaran cuántos días han estado libres, luego bailan entre ellos y cantan: “Nadie elige su destino”. Al igual que la película de Arias, “The Days Outside” está salpicada de secuencias musicales. Nos enteramos de que algunos de los miembros del elenco formaron una banda de rock en prisión y escuchamos algunas de sus (pegadizas) composiciones.
Sin embargo, “The Days Outside” también pide al público que sea testigo de un sufrimiento extremo. Algunas escenas parecen un teatro documental organizado en torno a temas como el desempleo y la vivienda. Algunas de las transiciones son incómodas, pero lo que los intérpretes revelan sobre sus vidas es horrible. Evocan sus condiciones de encarcelamiento en Argentina y el dolor y la marginación que experimentaron en el exterior, desde la violencia policial hasta el distanciamiento de sus hijos. Noelia Pérez, una mujer trans, recuerda que un hombre que estaba enojado por su defensa de las trabajadoras sexuales le rompió los dientes antes de realizar un impresionante número de baile inspirado en el voguing, casi como una forma de venganza personal.
Es difícil saber qué pensar al respecto, porque ninguna ovación de pie (y hubo una para “The Days Outside”) proporcionará jamás una reparación a largo plazo. Arias creó las condiciones para que su elenco ofreciera actuaciones memorables, cada una con una presencia escénica innegable. Pero uno se pregunta qué les espera después de Avignon: en la escena final, una de las intérpretes, Estefania Hardcastle, explica que simplemente no puede imaginar un futuro mejor.
“Soliloquio (Me desperté y me golpeé la cabeza contra la pared)” de Tiziano Cruz es una propuesta aún más complicada, a pesar de un comienzo optimista. Cruz, un artista interdisciplinario de origen indígena argentino, trabajó con dos docenas de aficionados de una comunidad “gitana” local en Aviñón, según una entrevista para el programa de mano, para abrir el festival con un desfile carnavalesco por las calles de la ciudad.
Sin embargo, en el centro de “Soliloquio” hay una sensación similar de dolor e injusticia. Cuando el desfile llega a un jardín, Cruz lee un “Manifiesto”, del que circulan copias. El texto explica que la hermana de Cruz murió a causa de la negligencia y la discriminación en el sistema de salud argentino, y enumera otras fuentes de trauma. En esta actuación, dijo, estaba “despidiéndose” de la “estructura teatral aristotélica”, describiéndola como una forma de colonización occidental.
No está claro qué le queda a Cruz con esto. En la segunda mitad del espectáculo, que se desarrolla en un escenario normal después de que el público es conducido al teatro, Cruz se lanza a un largo monólogo, compuesto en parte por cartas que le escribió a su madre durante la pandemia. Despotrica sobre sentirse como un “artista traidor”, que “se vendió al mercado del arte”. “Para pertenecer, lo hemos dejado todo”, dijo sobre los artistas que dejan atrás sus comunidades indígenas. “Perdón, perdón, perdón”, coreó.
Tal vez porque soy un crítico europeo blanco formado en Aristóteles, me pareció que los textos de Cruz eran demasiado erráticos como para apoyar realmente su visión. Sin embargo, como en el caso de “The Days Outside”, cuando el propósito de un espectáculo es arrojar luz sobre el sufrimiento, resulta insensible señalar sus defectos dramatúrgicos.
La directora francesa Caroline Guiela Nguyen también lleva mucho tiempo trabajando con actores no profesionales de todo el mundo. Para “Lacrima”, una nueva producción de tres horas sobre el lado oscuro de la industria de la moda, ha reunido a un elenco de aficionados indios, franceses y británicos, que actúan junto a intérpretes más experimentados en el papel de personajes de diferentes países y generaciones que Guiela Nguyen reúne con una buena dosis de patetismo. En “Lacrima”, el hilo conductor es un vestido de novia para una “princesa de Inglaterra” ficticia.
“Lacrima” se centra en la cadena de suministro que hay detrás del vestido y de su diseñador. Seguimos al personal de un taller de alta costura en París, dirigido por Marion, una víctima de violencia doméstica cuyo desenlace es transmitido de manera asombrosa por Maud Le Grévellec. Luego está el taller de Mumbai donde un bordador excepcional, Abdul Gani (el excelente y discreto Charles Vinoth Irudhayaraj), se está quedando ciego, y un estudio en Alençon, Francia, donde las encajeras están restaurando un precioso velo.
En un único decorado diseñado para parecer un taller anónimo, Guiela Nguyen entrelaza sus historias, con menos delicadeza que Gani, pero con la máxima eficacia. La caricatura que Marion hace de un marido maltratador provoca (intencionadamente) ira y la historia improbable de Thérèse, una anciana encajera que indaga en el pasado de su familia para averiguar si su nieta padece una enfermedad genética, resulta finalmente conmovedora, gracias a Liliane Lipau, la magnífica actriz amateur que la interpreta.
El mensaje de “Lacrima” es que hay mucho trabajo invisible, mucho de él mal pagado y hecho en malas condiciones, que se invierte en una declaración de moda como un vestido de boda real, a pesar de los “estándares éticos” que promocionan el diseñador ficticio y la casa real. En cuanto a festivales internacionales, Avignon está trabajando duro para contar historias que rara vez se escuchan y, en general, está dando sus frutos.
