Era su propia sociedad secreta. Cinco mujeres que trabajaban juntas en el Teatro Público, se relacionaban a través de bebidas y aspiraciones, compartían frustraciones e ideas, se compadecían, intercambiaban ideas y reían.
A su alianza le pusieron un apodo: Mujeres y Ambición, un apodo descarado porque, en su opinión, “ambicioso” seguía siendo un adjetivo con demasiada carga para las mujeres jóvenes. Su convergencia en Public a mediados de la década de 2010 resonaría como mucho más que recuerdos felices: ahora cada una de ellas se ha convertido en una Mujer con Poder, en un campo asediado que necesita urgentemente una nueva inspiración.
“Estas mujeres han ayudado a cambiar la trayectoria de mi vida”, dijo una de las mujeres, María Goyanes, quien ahora es la directora artística del Teatro Woolly Mammoth en Washington.
Lear deBessonet, quien supervisa la serie Encores!, que se lleva realizando desde hace mucho tiempo en el New York City Center, recordó el espíritu predominante: “Había una sensación de: ‘Te veo, chica. Te veo. Ahora tienes que tomar las riendas’”.
Y ahora lo hacen.
Antes de que deBessonet se hiciera cargo oficialmente de la serie Encores! en 2021, dirigía Public Works, el programa orientado a la comunidad que presenta una adaptación musical de una historia clásica cada verano. Una vez en Encores!, que ofrece producciones de corta duración a espectáculos que rara vez se reviven, tuvo un comienzo inestable durante la pandemia. Pero desde entonces ha tenido una serie de producciones de gran éxito, incluida una estelar “Into the Woods”, que se presentó en Broadway. Este verano, su aclamada producción de “Once Upon a Mattress”, con Sutton Foster, también se presentará en Broadway.
Shanta Thake, quien supervisó Joe’s Pub durante muchos años en The Public, ha sido desde 2021 directora artística del Lincoln Center for the Performing Arts. Stephanie Ybarra, quien dirigía la Unidad Móvil de The Public, se fue para convertirse en directora artística de Baltimore Center Stage y ahora es directora de programas de arte y cultura en la Fundación Mellon.
Y Meiyin Wang, quien coordinó el festival Under the Radar en el Public, es ahora la directora de producción y programación del nuevo Perelman Performing Arts Center, de 500 millones de dólares, en el Bajo Manhattan.
El hecho de que las cinco mujeres —cuatro de ellas de color, todas de 40 años— hayan ascendido a puestos de liderazgo influyentes refleja no solo su talento, sino también la evolución del panorama del poder en las artes. Un estudio del National Endowment for the Arts, por ejemplo, concluyó que en 2019 las mujeres representaban el 49 por ciento de los puestos directivos en las compañías de artes escénicas.
La historia de estas cinco amigas arroja luz sobre una verdad que trasciende las estadísticas: las mujeres están logrando la paridad en los puestos más altos de una profesión que, como tantas otras, ha favorecido históricamente el avance de los hombres. Aun así, es difícil imaginar que en el siglo XXI sea necesario un grupo llamado “Hombres y Ambición”.
No es que la aspiración femenina en el teatro sea una novedad: entre los líderes fundadores del movimiento teatral regional, cuando comenzó en la década de 1950, se encontraban mujeres como Zelda Fichandler en Arena Stage y Margo Jones en el Dallas Theater Center.
Por eso, cuando reuní a estos cinco líderes recientemente, quise entender qué valores instintivos compartían y qué sinergia los unía. (Siguen siendo todos buenos amigos y se apoyan entre sí, aunque tal vez no tan intensamente como en los días en que se retiraron al BBar en Bowery, ahora cerrado). También quería escuchar sus pensamientos sobre una cultura que todavía exhibe dobles estándares cuando se trata de mujeres en puestos de autoridad.
“La idea era que la ambición se percibía como una mala palabra”, dijo Goyanes, explicando la lógica del grupo. “Cómo era así, ya sabes, cómo nos motivaba y cómo se consideraba que no debíamos actuar así”.
“Solíamos discutir sobre muchas cosas”, dijo Thake. “Solíamos sentarnos en la oficina y discutir sobre qué suposiciones existían detrás de la palabra ‘líder’, detrás de las palabras ‘director artístico’, detrás de lo que significa dirigir una institución. Luchábamos con el sistema de creencias dominante o con la forma en que nos estaban criando, pero ¿qué era lo que nos estaban enseñando?”
“Creo que teníamos claro”, añadió deBessonet, “que si ser líder significaba ser una persona que no queríamos ser, no estábamos dispuestos a ser ese tipo de persona”.
Lo que eso significaba era hablar de sus propias inseguridades sobre ocupar puestos en una industria que siempre está plagada de inseguridad. Goyanes describió una batalla de conciencia constante: ser un representante con un trabajo sólido en un campo de artistas en dificultades.
“Crecí en una familia de inmigrantes”, dijo. “¿Debería prestar un servicio más directo a la gente? ¿Contar historias es suficiente o en realidad estoy siendo egoísta?”
Al principio, la lucha no consistía sólo en perfeccionar sus visiones gerenciales, sino en construir una especie de autoconfianza colectiva, aprendiendo que el avance de cualquiera de ellas era un éxito para todas. Para las mujeres de su generación, ese apoyo mutuo parecía casi revolucionario.
Había quedado en entrevistarlos por separado y ahora estábamos todos juntos en Lafayette, un restaurante al otro lado de la calle del Public, en el corazón de Greenwich Village. Thake había llegado al Public como pasante en 2003 y Goyanes llegó al año siguiente, convirtiéndose en productor asociado de Oskar Eustis cuando fue nombrado director artístico en 2005.
Fue Goyanes quien, durante los años siguientes, incorporó a Ybarra, Wang y deBessonet al grupo de artistas. Como recuerda Ybarra, Goyanes —“un conocido profesional”— la llamó un día de 2011 y le dijo: “Tenemos una vacante en el departamento artístico; estoy segura de que estás sobrecalificada para ello. ¿Vendrías a hablar con nosotros de todos modos?”.
Con un título de la Escuela de Arte Dramático de Yale y experiencia como director de producción en Playwrights Realm, una incubadora Off Broadway para dramaturgos emergentes, Ybarra se lanzó a la aventura.
“Creo que aquí es donde entran en juego mi ambición y mi estrategia”, dijo. “Acepté una reducción salarial para ir a The Public. Acepté una reducción de título para ir a The Public. Pero estaba apostando por mí misma de una manera que era como, ‘Todavía no saben a quién tienen’”. Su dirección de la Unidad Móvil, incluida una gira de “Sweat” de Lynn Nottage por ciudades industriales en dificultades en el noreste y el medio oeste, la llevó a su nombramiento en 2018 como directora artística de Baltimore Center Stage.
Eustis, su ex jefe, dijo en una entrevista telefónica que el ámbito particular del Public —la institución Off Broadway que dio origen a “A Chorus Line” y “Hamilton”, pero también a Shakespeare gratis en Central Park— en cierto sentido fue creado para estas mujeres. “No somos un teatro de nicho”, dijo. “Es conocido por la gente que puede manejar la pelota, y cada una de esas mujeres, que dirigían esos programas, tenía una gran autonomía.
“Todas estas mujeres sienten pasión por el mundo, por la igualdad, la democracia, el acceso, así como por el arte”, añadió Eustis. “Y el Teatro Público las llamó”.
Parte de lo que forjó sus vínculos fueron, de hecho, las aspiraciones idealistas del Public, una organización a veces difícil de manejar, a veces con dificultades económicas, con un personal de alrededor de 200 personas y la misión de ser el teatro del pueblo.
Sin embargo, lo que la compañía inculcó a las mujeres nunca ha perdido su valor. “Creo que todas teníamos el mismo objetivo”, sugirió Thake, quien se ha esforzado en el Lincoln Center por abrir el campus a una gama más amplia de artistas. Mientras los líderes del centro revolucionan programas de larga data como Mostly Mozart, Thake y su personal están presentando al público de la ciudad diversiones veraniegas más modernas como la NYC Ska Orchestra, “The Dream Machine Experience” y la cantante Dobet Gnahoré.
“Somos personas muy diferentes, muy diferentes, en realidad”, dijo Thake sobre las mujeres. “Sin embargo, creo que todas compartimos una idea: que el arte importa”.
DeBessonet señaló que todas ellas llegaron a las artes por caminos variados y no perfectamente pavimentados. Goyanes creció en Queens, hija de un trabajador de limpieza de la ciudad. Wang es de Singapur y llegó a los Estados Unidos para ir a la universidad. Thake proviene de una familia de clase media en Santa Claus, Indiana (“Crecí en Ornament Lane”, dijo riendo). Ybarra se crió en San Antonio con un padre latino y una madre checa. Y cuando era niña en Baton Rouge, Luisiana, deBessonet “hacía espectáculos en mi patio trasero con mi hermana y mi perro”.
A partir de esas raíces tan dispares, estas mujeres llegaron a la mayoría de edad con un sentido similar del mundo. “¿Qué significa ser ‘del pueblo’? ¿Qué significa ser ‘por el pueblo’? ¿Qué significa ser ‘para el pueblo’?”, dijo deBessonet. “Ya sabes, las tres son importantes y lo fueron en la fundación de Public Works. Creo que eso contiene la esencia del sueño del Public Theater”.
Todos ellos han tenido que pasar del sueño a la dura realidad de la gestión, con los diversos desafíos públicos que supone recaudar fondos, tratar con las juntas directivas e intentar programar temporadas que atraigan a clientes que paguen. Esto no ha estado exento de obstáculos: Ybarra, por ejemplo, se topó con una dura oposición en Baltimore cuando intentó introducir más diversidad en el arte y los artistas de la empresa.
“No me preocupa en absoluto el arte, simplemente va a prosperar, va a encontrar su lugar en los rincones en los que se presente”, dijo Wang sobre la creación, junto con el director artístico Bill Rauch, de una nueva cartera de arte en el Perelman. El centro, que ahora está en su temporada inaugural, tiene su primer éxito genuino en “Cats: The Jellicle Ball”, una reinterpretación radical del musical de Andrew Lloyd Webber, basada en los poemas de TS Eliot.
¿Cuál es la mayor preocupación? “Es defender que la gente salga de sus casas y se adentre en entornos donde esté presente”, dijo. “Esta idea de bienvenida, de pertenencia, de entusiasmo, es como, ¿cómo se crea eso? Y esa es para mí la tarea que tengo por delante”.
En torno a una banqueta, las mujeres bebían vino y soda, comían guacamole y hablaban la pasada primavera sobre las interminables galas de recaudación de fondos de los lunes por la noche, las próximas vacaciones y mucho más. La revocación de la condena de Harvey Weinstein en Nueva York y los análisis de las acciones judiciales que limitaban el derecho al aborto fueron noticia. Sugerí, sin mucha convicción, como prueba del progreso del mundo del teatro que siete de las diez nominaciones a los premios Tony a mejor dirección (tanto de obra como de musical) fueron para mujeres este año.
“¿Qué está pasando ahí?”, pregunté. La mesa estalló en risas.
“¿Retroceso?”, dijo alguien. “¿Retroceso de los derechos de las mujeres?”, dijo alguien más.
“Este es un buen recordatorio de que las mujeres necesitan ganar y estar a cargo de todo”, dijo Thake.
Volviendo al tema principal del grupo, pregunté: “¿Qué piensan cada uno cuando ven a los otros cuatro?”
“Pienso”, dijo Goyanes, “en enviar mensajes de texto a la gente y decirles: ‘¿Podemos salir? ¡Necesitamos hablar!’”.
A Ybarra le viene a la mente un recuerdo particular: “Tengo imágenes muy claras de Lear y yo parados juntos en el espacio de oficina que fuera, y simplemente diciéndonos: ‘¿Cómo estás? Será mejor que hagas esto y yo tengo que hacer esto…’”.
Y así fue como la conversación siguió su curso. Parecía que nadie quería que terminara. Entre estos camaradas del arte, también parecía que nunca terminaría.
