Cómo ver el arte perdido del imaginador rebelde de Disney Rolly Crump en Los Ángeles

Rolly Crump tenía una reputación enorme. Un rebelde en el redil de Disney. Un beatnik. Un “dígalo-como-sabes-qué” sin complejos.

Crump, que murió el año pasado a la edad de 93 años, también cambió para siempre el aspecto de Disneylandia. Su arte se puede encontrar en Enchanted Tiki Room y, junto con su amiga cercana y colega artista Mary Blair, en It’s a Small World.

El estilo de Crump poseía una extravagancia extraordinaria y un volumen circense, y llamó la atención de Walt Disney, quien sacó a Crump de la animación y un día le asignó lo que posiblemente se convertiría en el reloj más reconocible del sur de California. El reloj es el ancla de la fachada de It’s a Small World de Disneyland.

Esta semana, una variedad de trabajos personales menos conocidos de Crump se exhibirán en la galería West Hollywood. Casa de arte de palabras y canciones. La muestra, denominada “La exposición perdida de Crump”, está curada por el hijo de Rolly, Christopher, quien siguió los pasos de su padre para trabajar para Walt Disney Imagineering, la división de la compañía responsable del diseño de parques temáticos. “The Lost Exhibition” se basará en gran medida en el trabajo de Crump de finales de los cincuenta y principios de los sesenta, específicamente en su serie de carteles de estilo rock ‘n’ roll inspirados en el folk house.

El evento está abierto al público de viernes a domingo y la galería está cerca de la ubicación original de uno de los antiguos locales de Crump, el club folclórico Unicorn. Un cartel que Crump dibujó para el lugar será la pieza central de la exhibición. Christopher cita la naturaleza libre de la escena folk de los años 50 como una gran influencia en el arte de su padre, que tenía el tipo de colores llamativos y un trabajo intrincado y con muchas líneas que uno ve en un salón de tatuajes.

Otros carteles muestran el ácido pero tonto sentido del humor de Crump, como lo que llamó sus “dopers”, es decir, arte que celebraba con humor las drogas al estilo de los carteles de bar de la generación Beat (“Sé un hombre que sueña por sí mismo”, dice un cuadro animando el opio).

Fuera de su trabajo en Disney, Crump continuó trabajando en el excéntrico arte pop a lo largo de su carrera. Un cartel de 1967 inspirado en una tira cómica del grupo de rock psicodélico West Coast Pop Art Experimental Band. pertenece a la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Se mostrará una copia en Song-Word.

Crump permaneció en Disney hasta 1970, aunque regresaría varias veces antes de retirarse en 1996. También diseñó una atracción para Knott’s Berry Farm, dirigió brevemente su propia firma de diseño y tuvo una tienda de corta duración, Crump’s, dedicada a su arte. En 2017, Crump tuvo una exposición post-carrera en el Museo de Arte de Oceansidepero Christopher ve “La exposición perdida” como una oportunidad para explorar los primeros trabajos menos conocidos de su padre, antes de que Crump trabajara en atracciones como Haunted Mansion y It’s a Small World, la última de las cuales se estrenó en la Exposición Universal de 1964. Justo.

“Esto es algo personal para mí”, dice Christopher. “Esta es la exposición que nunca sucedió. Debería haber hecho esto. Debería haber tenido más exposiciones en galerías. Las únicas cosas reales de la galería fueron cuando tenía la tienda Crump en Ventura Boulevard, pero nunca tuvo una exposición formal en la galería”.

Christopher, quien estará disponible los tres días para compartir historias sobre su padre, habló con The Times sobre el programa. Esta entrevista ha sido editada para mayor extensión y claridad.

Rolly Crump en su tienda, Crump’s, que, según su hijo Christopher, fue una operación de corta duración en Ventura Boulevard.

(De Christopher Crump)

Tu padre empezó a trabajar para Walt Disney Co. en 1952. Tú naciste en 1954. Esta exposición pone especial énfasis en las obras de arte de esa época. ¿Cuándo conoció por primera vez el trabajo de su padre?

Estaba dibujando todo el tiempo. Él me apoyó como maquetista, yo tenía un escritorio y herramientas y él me compró kits. Empecé a construir modelos cuando tenía 6 años. Lo vi dibujar. Pero más tarde, reconocí que este enorme trabajo suyo lo hacía todo el tiempo. Él salía con [animator-artist] Walter Peregoy mucho. Walter Peregoy se levantaba a las cuatro de la mañana y dibujaba y pintaba. Y eso empezó a golpearme. Papá tenía dos trabajos: trabajaba en animación y en construcción los fines de semana, y estaba eliminando todas esas obras de arte y móviles. Cuando alguien se llama a sí mismo artista, no tiene otra opción. Es constante. Es todo el tiempo.

Hay que pensar también en la cultura. Papá no estaba cambiando pañales, cocinando, limpiando, lavando y todo eso. Los hombres no hacían eso. No era como si hubiera algo malo con él, pero no fue hasta más tarde cuando dije: “Oye, papá, tienes que ayudar con las tareas del hogar”. Cualquier cosa que papá quisiera hacer, lo haría, así que en el caso de papá, pintaría, dibujaría, esculpiría y haría móviles. Iba a seguir satisfaciendo esa picazón de tener que hacer esas cosas.

Y todos ayudarían. Mi mamá pintó mucho sobre las cosas de mi papá. Lo dibujó y dijo: “Píntalo de rojo. Píntalo de verde”. Recuerdo haber pintado pinturas con colores, y esto fue entre principios y mediados de los años 60. Todos éramos parte de la pequeña máquina de arte de papá.

Al coleccionar este cartel, ¿qué es lo que te impresiona hoy? ¿Qué aprecias del trabajo personal que hacía mientras trabajaba en animación? Recuerdo que tu papá decía que se sentía inseguro como animador.

Un cartel diseñado por Rolly Crump que forma parte de una exposición de los primeros trabajos del artista.

(De Christopher Crump)

Estos [animation] Artistas: Walter Peregoy, Dale Barnhart, Frank Armitage y, por supuesto, Ward Kimball y Marc Davis, todos estos muchachos fueron increíbles. Papá decía: “Sabía usar un lápiz”. Sabía dibujar, pero no tenía educación formal en artes. Estos chicos influyeron en él y aprendió de ellos, pero necesitaba encontrar su voz. Capturé una entrevista recientemente (alguien me la envió) de él dando una charla, y papá contó esta gran historia sobre su deseo de aprender a pintar, de convertirse en artista. Intentaba imitar el estilo de Walt Peregoy y no funcionaba. Estaba realmente frustrado.

Habló de ir a una exposición de arte en el estudio y vio un trozo de un grupo de gárgolas sentadas en un tronco volando cometas. Y se apagó la bombilla. Él dijo: “Puedo hacer eso”. Papá tiene un sentido del humor peculiar y el mundo de la animación se trataba de hacer reír a la gente, así que se fue a casa y pintó langostas bebiendo martinis. Y esa fue la primera pintura que hizo donde tomó la idea de contar una pequeña historia y asegurarse de que fuera divertida. Eso lo impulsó.

Lo que siempre me ha encantado del trabajo personal de tu padre es que tiene una naturaleza fluida. Eso lo ves incluso en el cartel del Unicornio. Se siente improvisado, jazzístico.

Y lo que pienso, y lo escuché decir esto, siempre estaba buscando algo diferente y luego darle un giro. Cuando piensas en la era folk, cuando hacía mucho calor, un calor abrasador, eran vagabundos en cargueros que escribían canciones sobre la injusticia social. Eran personas que “se lo pegan al hombre”. Todas estas cosas influyeron en él: la idea de la música popular y la libertad de expresión.

Rolly Crump en 1957, cuando el artista trabajaba en animación en Walt Disney Co.

(De Christopher Crump)

No había manera de que pudiera pintar como esos otros tipos. Pero encontró su voz y estos carteles se volvieron más satíricos. Es una especie de publicidad burlona pero muy irónica. Estaré poniendo una banda sonora de mucha de la música que papá tenía en su colección en casa. Así que es una recopilación de cuatro horas y media de Miles Davis, Nina Simone, Peter, Paul y Mary, Quincy Jones, Harry Belafonte, Wes Montgomery: todo el material que escuchamos en casa o que escuché en su Porsche escuchando la estación de jazz.

¿Cómo conectas lo que veremos en este programa con su trabajo más conocido de Disney en It’s a Small World o Enchanted Tiki Room?

Debido a que dibujaba todos los días, su trabajo lineal, su composición y sus habilidades técnicas como artista mejoraron. Eso le llevó a crear cosas en la Sala Tiki, los juguetes en Small World. No se despertó y se levantó de la cama una mañana y se volvió realmente bueno. Hubo un desarrollo gradual de quién era él. Luego llegó a un nivel de confianza. Sabía quién era y no se disculpaba por ello.

Empezó a observar cómo Walt [Disney] Se portó bien y encontró su ritmo con Walt. Esperó unos años antes de empezar a volverse obstinado, y luego, una vez que Walt empezó a escucharlo, molestó a todos los demás Imagineers. Todos cantaban y bailaban. “Lo que Walt quiera”. Rolly no era bailarín. ¿Cómo podría este loco personaje beatnik ser Disney? Es como los músicos. Son las chuletas. Mencionaste lo del jazz: el jazz se trata de improvisación. El jazz se trata de seguir la corriente y seguir tus ideas locas. Walt creía en las locas ideas de papá.

Y, sin embargo, esas locas ideas ayudaron a definir el tono de Disneylandia. Los parques temáticos modernos están muy alineados con el aspecto del cine y la televisión, sin embargo, hay muchas ocasiones, digamos, en It’s a Small World, donde queda muy claro cuál fue la influencia de Rolly.

Mi esposa no sabía mucho sobre Disney. Ella monta en It’s a Small World, y mi papá había estado haciendo tarjetas de cumpleaños y de Navidad, y ella miró a It’s a Small World y dijo: “Dios mío, es mi suegro”. Y ese es mi pensamiento. Todo esto fue desarrollado y resuelto, y cuando llegó la Exposición Universal y llegaron los años 60, él había pasado unos buenos ocho o nueve años trasteando, y ahora está floreciendo. Ahora tiene un escenario en el que trabajar.

Así que estoy hablando de los años 50 y principios de los 60 antes de todo eso. ¿Qué fue lo que le sucedió que lo desarrolló y desarrolló su confianza para poder ser ese gran tipo?

Sería como en la música. Tocó en muchos clubes pequeños antes de llegar a los grandes escenarios. Mi vibra es que la gente recuerde cómo los artistas se convierten en lo que se convierten.