Campo: nocturnos completos
Alice Sara Ott, piano (Deutsche Grammophon)
Se dice que el compositor irlandés John Field (1782-1837) inventó el Nocturne como una pieza para el piano, pasando la forma para su más joven Frédéric Chopin a perfeccionar. Si a veces se olvida, las contribuciones de Field apenas han escapado de la notificación. Liszt mismo publicó un edición de nueve de ellos: “¿Dónde más encontraríamos tal perfección de ingenuidad incomparable?” Preguntó en un prefacio, y las grabaciones parecen periódicamente para recordar a los oyentes sus muchas virtudes.
Alice Sara Ott, quizás la pianista más prominente hasta ahora para establecerlos en disco, les da todo el cuidado y el afecto que merecen. Su juego es simplemente hermoso, tan bien formado, sutil y sensible como cualquiera podría preguntar. De manera crucial, OTT no tiene interés en hacer estos trabajos en nada que no sean. Casi todos están en llaves importantes, y con algunas excepciones el estado de ánimo es más plácido y genial que en el set de Chopin; Ott da un encanto de Mozartean y simplicidad al “Notide” Nocturne en E, por ejemplo. Lo mejor de todo es su camino con el “Rêverie-Nocturne”, sus acordes de la izquierda cantan evocativamente mientras la mano derecha centellea con luz moteada. El tiempo parece detenerse; El efecto es impresionante. David Allen
‘Líneas de la vida: Schubert y Kurtag’
Benjamin Appl, barítono; Pierre-Laurent Aimard, James Baillieu, Gyorgy Kurtag, piano (Alpha Classics)
Cuando se trata de cantantes de Lieder, el barítono Benjamin Appl juega contra el tipo. No es cría, mira el ombligo o se deleita con la angustia. Con su temperamento leve y su timbre fácil de las orejas, patina sobre la superficie de las canciones de arte que otros son las profundidades más oscuras.
Es exactamente esas cualidades las que lo convierten en un intérprete de transfijo del miniaturista húngaro Gyorgy Kurtag, a quien él llama “Gyuri Bacsi” (tío George) en las notas de revestimiento del álbum. Appl, que preparó el material con el propio Kurtag, describe elaborar las pequeñas inflexiones que hacen que las piezas breves son infinitamente desafiantes. Él prodige una voz de belleza elástica y seguridad técnica en las gemas espinosas de Kurtag.
En “Hölderlin-Gesänge”, un ciclo en gran medida de seis canciones en textos esotéricos, el canto de Appl es plástico y alacritoso. Su tono puede ser suculento, natty, fantasmal o floreciente. Extraños giros de frase, Melismas y un arrebato rimbombante o dos son la aplicación más cercana se vuelve desagradable. No lucha contra la vitalidad juvenil de su sonido.
Las canciones de Schubert componen casi el resto del álbum. Ese podría haber sido simplemente un truco de yuxtaposición, pero la intensa concentración requerida del estilo de Kurtag parece acercar a Appl.
En el piano, James Baillieu es un intérprete de Schubert cálidamente amable, y Pierre-Laurent Aimard es acerbicamente exigente en el kurtag, que también toma las llaves de la canción final, el “sonntag” de Brahms, elaborando una paciencia y el silencio que se produce como una contención. Oussama zahr
Stravinsky: ‘Pulcinella’ y Divertento de ‘le baiser de la fée’
Isabel Leonard, Paul Appleby, Derek Welton; Orquesta Sinfónica de Toronto; Gustavo Gimeno, director (Harmonia mundi)
Si solo miras la portada de este álbum, pensarías que fue simplemente un lanzamiento de dos obras del período neoclásico de Stravinsky. En su mayoría lo es, y la Orquesta Sinfónica de Toronto se convierte en actuaciones muy finas de ambas obras bajo la dirección de Gustavo Gimeno, su director musical. El conjunto juega el diverto del ballet “le baiser de la fée” con elegancia y pop inusuales, mostrando sus vientos picantes y latón. En “Pulcinella”, que Gimeno programó en su versión completa en lugar de la suite, hace que los ritmos sean aireados y vivos, al igual que sus orígenes del siglo XVIII requerirían. Los tres solistas vocales hacen frente bien a las líneas bastante implacables de Stravinsky.
Pero hay (literalmente) más aquí de lo que parece. Aunque no se enumeró en ninguna parte en la portada, el álbum también contiene una grabación de estreno mundial: “Curiosity, Genius and the Search of Petula Clark”, del compositor canadiense Kelly-Marie Murphy. Una comisión sinfónica de Toronto, fue escrita en 2017 para celebrar el 85 cumpleaños de Glenn Gould. La pieza se inspira en un documental de radio Gould en el que condujo por Canadá para escuchar a Clark “¿Quién soy yo”? en la radio. El puntaje de Murphy está ingeniosamente orquestado y lleno de texturas cambiantes. Lo que Gould hubiera pensado es que nadie suponga, pero al menos merecía ser mencionado además de las obras más conocidas de este álbum. David Weininger
Brahms: ‘Ein Deutsches Requiem’
Varios coros; Orquesta Filarmónica del Estado de Hamburgo; Kent Nagano, director; Kate Lindsey, mezzo-soprano; Johann Kristinsson, barítono; Veronika Eberle, violín; Thomas Cornelius en órgano (BIS)
El estreno del Viernes Santo de “Ein Deutsches Requiem” de Brahms, o “un réquiem alemán”, en 1868 en la Catedral de Bremen fue un gran éxito para el compositor de 34 años, que realizó la actuación frente a 2.500 oyentes. Pero lo que escucharon no fue el “réquiem” apreciado por el público de conciertos hoy. Brahms aún no había compuesto el quinto de lo que, en su forma final, se convertiría en siete movimientos. Y para apaciguar a las autoridades religiosas locales que estaban en desacuerdo con los textos que Brahms había establecido, extractos de las Escrituras sobre la muerte y el consuelo que no incluían mención de Jesús, intervino su propia música con obras de otros compositores.
Esa versión original fue reconstruida y grabada en 2022 en Elbphilharmonie en Hamburgo, Alemania, con 400 cantantes de ocho coros comunitarios. Es un testimonio inesperadamente conmovedor de las tradiciones históricas vivas y la piedad comunitaria que influyó en Brahms. Los interludios instrumentales de Bach, Tartini y Schumann crean bolsillos meditativos en medio de la austera ternura de los números corales de Brahms. Después de ofrecer una aria desgarradora de Bach’s “St. La pasión de Matthew, “Brahms le da la última palabra a Handel, concluyendo este” réquiem “, aunque escandalosamente a los oídos modernos, con el radiante coro” aleluya “. Corinna da Fonseca-Wollheim
Shostakovich: Sinfonía No. 15
Orquesta Sinfónica de Radio Bávara; Bernard Haitink, director (Br Klassik)
La sinfonía final de Shostakovich es su trabajo orquestal más enigmático, en el que la muerte parece flotar en todas partes excepto en ninguna parte. En lugar de la angustia en la exhibición completa en otras partes de su producción, escuchamos la inocencia de la infancia, melodías que giran en callejones sin salida, misteriosas citas de Rossini y Wagner y, al final, un ruido de percusión que puede representar la máquina en la habitación del hospital de un paciente de muerte. O puede significar nada en absoluto.
La 15ª sinfonía fue una especialidad de Bernard Haitink, quien lanzó dos excelente grabaciones de eso durante su vida. Incluso para esos altos estándares, esta cuenta en vivo con la Orquesta Sinfónica de Radio Bávara, de 2015, es especial. El enfoque de Haitink a la pieza parece haber crecido cada vez más objetivo, no por desapego del poder emocional de la música, sino como una forma de honrarla, como si fuera cada vez más reacio a presionar una interpretación en una pieza que tan tenacamente se resiste a una. Cualquiera que sea el pensamiento del director, las perforadoras disonancias del final y la invocación del motivo del destino del “anillo” de Wagner rara vez han sonado más escalofriante. El resultado, gracias a jugar con una sensibilidad increíble y un rango dinámico, es una actuación de la intensidad más tranquila, y aún más devastador por eso. David Weininger
