Los bailarines, vibrantes vestidos y casi flotantes, se saltaron por el piso de la galería del Museo de Arte Americano de Whitney. Con lo que al principio parecía un arco al suelo, pero fue realmente un tobogán lento, bajaron con esplendor deliberado en las divisiones. Sus brazos se alejaron a ambos lados con la resolución de acero con la canción de Amy Winehouse “Back to Black” y, al levantarse, se pararon con una mano a la cadera. Y luego el baile comenzó. Se puso sudoroso.
Hay muchas maneras de honrar al coreógrafo Alvin Ailey, el tema de “Bords of Ailey”, una exposición en Whitney que terminó la semana pasada. Pero “Chorus” (2016), una actuación emergente de Ralph Lemon con música de Kevin Beasley, fue centelleante y astuto a medida que creció en vitalidad sonora y visual. Todo el movimiento proviene de los videos de “Soul Train” de los años 70 y 1980 que se encuentran en YouTube. La historia de ese espectáculo y su destacada presentación de artistas negros, colocados junto con los cinco bailarines estelares de Lemon, hicieron un chapuzón. Cristalizó que Ailey Bling.
Parte del programación de rendimiento Eso acompañó “Bordes de Ailey”, este fue un espectáculo dentro de un espectáculo: un baile de línea que electrificó la galería del quinto piso, basado en el sitio algo caótico de la exposición, que se centró en la vida y la carrera de Ailey.
Se podría imaginar “coro” haciendo reír a Ailey. Siempre decía que el baile era para todos. “Creo que el baile vino de la gente”, dijo, “y que siempre debe ser devuelto a la gente”.
Lemon lo hizo. El rendimiento, solo 10 minutos, creó un flujo de energía, como el agua, que también era significativa. El agua es un motivo que aparece una y otra vez en los bailes de Ailey, de “Streams” al “río”. (La exposición presentaba una pieza de instalación llamada “Río”, de Maren Hassingercon cadenas de acero y cuerda en referencia al pasaje medio, cuando los africanos esclavizados fueron transportados a las Américas). El baile encarnaba tanto; El dolor se mantiene en el cuerpo y, a través del baile, se puede liberar.
No siempre fue obvio cómo las actuaciones que acompañaban la exposición encajaban en el linaje de Ailey. (Los espectáculos comenzaron en septiembre y terminaron este mes). Pero Ailey era más grande que la vida, y eso permitió la libertad creativa. Las respuestas más poco convencionales a menudo eran más atractivas que las tradicionales.
Las ofrendas relacionadas con la institución que construyó Ailey, Alvin Ailey American Dance Theatre, se quedó corta. Matthew Rushing, una ex estrella de Ailey que se desempeña como directora artística interina de la compañía (Alicia Graf Mack se hace cargo el 1 de julio), presentó “Sacred Songs”, un estreno destinado a elevar que estaba envuelto por el sentimentalismo.
En el papel, no era una mala idea: “Sacred Songs” está establecida en selecciones de música gospel que originalmente se interpretaron como parte de las célebres “Revelations” de Ailey, pero que luego fueron cortadas. En lugar de usar bailarines profesionales, Rushing eligió a los estudiantes de Ailey Extension, que ofrece clases al público en general. Este elenco no profesional, su enfoque y fortaleza para hacerlo bien, al menos en Whitney, fue la única gracia salvadora del baile.
Este es un trabajo espiritual lleno de brazos perpetuamente alcanzados, cejas fruncidas y contracciones pélvicas afiladas. Al menos la seriedad mostrada por los artistas de extensión tenía una dulce pasión. Pero cuando “Sacred Songs” hizo su estreno de Ailey más tarde en el centro de la ciudad de Nueva York, los bailarines de la compañía principal abrazaron el melodrama de manera tan ferviente que la sinceridad se escapó.
En otra programación, la compañía Ailey, que muestra breves extractos, también perdió la marca. En lugar de presentar la coreografía de Ailey de manera diferente, sin, por ejemplo, maquillaje y disfraces, para mostrar sus huesos, los bailarines actuaron como si estuvieran en un teatro de 2.000 asientos. La exposición propuso revelar a Ailey, no solo la pionera de la danza moderna que coreografió “revelaciones”, sino el hombre. Las sonrisas cegadoras de los bailarines mantuvieron a Ailey oscurecida, firmemente llena en su caja habitual.
La compañía Ailey de hoy puede verse como entretenimiento; Pero si te ves un poco más profundo, Alvin Ailey no está tan lejos de algunos de los experimentadores de hoy. En “City of Dancers, el regreso eterno de lo mismo”, la coreógrafa Sarah Michelson organizó su homenaje de Ailey, no en Whitney sino en Performance Space New York, anteriormente PS 122.
A lo largo del trabajo, que se realizó durante dos mañanas, Michelson compartió el escenario con el bailarín y coreógrafo Leslie Cuyjet, pero también parecía estar haciendo espacio para los fantasmas en la sala: Ailey o cualquiera con una sed indiscutible de baile. “Aprendes algo una vez, y es tuyo de por vida”, dice en la pieza. “Pero primero tienes que convertirte en bailarín”.
El día, el día de la vida de un bailarín es algo difícil de comprender realmente del exterior. En su biografía de Ailey, Jennifer Dunning escribe: “Desde al principio, el movimiento era el medio a través del cual podía expresar honestamente sus verdades más íntimas”.
En el libro de Dunning, Charles Blackwell, un bailarín que se convirtió en uno de los primeros gerentes de escena de Black Broadway, habla sobre cómo el trabajo de Ailey siempre fue sobre las personas. “Todo estaba al servicio de las emociones que estaba bailando o coreografiando”, dijo Dunning cita. “No se trataba de presumir. Siempre se trataba de lo que se decía. Se trataba de lágrimas y transpiración, solo reproducción. La humanidad continúa “.
Quizás ese sentimiento, estar al servicio de la cosa, es la línea espiritual para ciertos artistas de danza de hoy. “Deja resbalarse, mantener el balanceo”, una instalación duracional creada por Okwui Okpokwasili y Peter nació, mira el cabello, específicamente el cabello de una mujer negra, como una forma de despertar la memoria. En un pasaje hipnótico, Bria Bacon transformó su cuerpo incrementalmente cuando los estremecedores microscópicos comenzaron a arrastrarse por sus omóplatos y derribar su espalda con intensidad febril. Fue maravillosamente extraño.
Dos veteranos coreógrafos, Bill T. Jones y Jawole Willa Jo Zollar, aparecieron de manera espectacular. Jones, en su solista “Memory Piece: Sr. Ailey, Alvin … The Un-Aley?”, Exploró su divergencia de la marca de danza moderna de Ailey y el racismo que enfrentó como coreógrafo negro en un mundo de baile blanco y posmoderno. (El solo estará en la de su empresa Temporada de artes en vivo de Nueva York En Mayo.)
Igualmente eléctrico fue ZOLLAR en “LaveDance IV el Emperador … la anciana persiste”, una obra para ella y la bailarina y cantante Tendayi Kuumba. Más que una obra de baile, “Lifedance” fue un hechizo. En un momento, Zollar anunció: “Necesito ayuda para llevar al patriarcado al otro lado” y encontré a un voluntario masculino en la audiencia para hacer exactamente eso.
En su búsqueda de la muerte del patriarcado, quería liberarnos a todos. Fue un esfuerzo grupal: catártico de todas las maneras correctas. Estando en presencia de la energía silenciosa de Zollar, su tenso tirón vibratorio, su sabiduría, su fuerza fue asombrosa.
Así como experimental, y destripando, fue el poderoso “lecho de muerte” de Trajal Harrell. (¿Cuándo lo encargará la Compañía Ailey?) El baile de Harrell se basa en la especulación sobre la relación entre Katherine Dunham, la influyente coreógrafa negra, bailarina y antropóloga, y la coreógrafa y bailarina japonesa Tatsumi Hijikata, que se considera un fundador de la postewar de la posguerra de la postwar La danza japonesa forma butoh.
En un momento, Dunham y Hijikata compartieron un estudio, un hecho que Harrell descubrió cuando se encontró, notablemente, en el lecho de muerte de Dunham en 2006. En ese momento, Harrell no sabía preguntarle de qué se trataba esa relación. En “Deathbed”, todavía no hay respuestas. Pero a través del tejido de Harrell juntos de ritual y espíritu, logra el tipo de trascendencia teatral que convierte el duelo en un acto comunitario.
Todo estaba al servicio de las emociones. Hubo virtuosismo en la facilidad de seda de los bailarines, pero nunca fue presumiendo. ¿Lágrimas? Ciertamente. Allí estaba Ailey, parado en las sombras. Harrell estaba trayendo sentimiento a la danza, tal como lo hacía Ailey.
