Durante gran parte de la historia del arte, la escultura figurativa estaba inmersa en el sentido de lo eterno. Las estatuas antiguas de líderes, héroes y dioses tendían a encarnar lo que sus creadores creían (o esperaban) perduraría para siempre. Ahora la escultura figurativa refleja profundas ansiedades sobre la permanencia. Nuestros cuerpos son bombardeados por cosas, por ejemplo, las partículas microplásticas de bienes descomponidos que se alojan en nuestros testículos, agallas y pulmones, y nuestros ojos por un ataque de imágenes. “Cuando pienso en toda la basura que se hace y compré en Amazon todos los días, me parece absolutamente aterrador y abrumador”, dijo la artista nacida en Rumania Andra Ursuta, de 45 años. “Como alguien que hace objetos, necesito resolver eso para mí, o lo que haga necesite comprometerse con eso ”. Ursuta, con sede en Londres y Nueva York, es conocida por un trabajo impredecible y oscuramente humorístico en el que el cuerpo suele ser un sitio de degradación tragicómica. En los últimos años, ha creado monstruosas criaturas de vidrio fundido que combinan su propia cara, extremidades y torso con accesorios de Halloween baratos, botellas de plástico, máscaras de esclavitud y otros tipos de equipo fetiche. El detritus de sobreproducción que persiste en los vertederos es parte de nosotros, sugiere su trabajo, una extensión de nuestros seres físicos y un monumento. Ursuta exhibió por primera vez la serie en 2019 en la Bienal de Venecia, cuando ingresó a sus 40 años. “Tu cuerpo comienza a cambiar, te das cuenta de todas las indignidades que están bajando por el pico”, dijo. “Algunas cosas se derramarán, se filtrarán o caen a pesar de sus mejores esfuerzos”. Las esculturas, con títulos como “El yoga no ayuda”, destituyen la ansiedad del inevitable fracaso corporal. En Venecia, Ursuta vertió un poco de alcohol dentro de las obras huecas, una ruptura del cliché de los cuerpos femeninos como vasos. El alcohol, apropiado, comió el adhesivo dentro de las esculturas, amenazando con driblar.
Los peligros de la auto presentación en una era de mayor exposición encuentran una expresión aguda en las esculturas seductoras y desconcertantes del artista estadounidense Kayode Ojo, 34. Para crear “reina de hielo” (2020), ojo, cubrió dos sillas con patas cromadas vestidos de lentejuelas blancas a juego. Las sillas idénticas se enfrentan, los vestidos unidos en las muñecas por cadenas de anillos de llave de acero emergían de las mangas, como si dos divas sin cabeza se tomaran de la mano, o como si una mujer soltera estuviera fríamente con respecto a su propio reflejo. Cuchillos del ejército suizo, cuchillas, colgan en lugar de dedos.
Los diversos componentes de “Ice Queen” están equilibrados en pilas verticales de cajas de plástico rectangulares: Ojo nunca sujeta, pegamentos ni tornillos los elementos en sus esculturas. Un sentido de precaridad persigue el trabajo, “ya sea precaridad económica o precaridad social”, dijo Ojo, quien nació en Cookeville, Tennessee, y actualmente vive en Nueva York. “Cualquier cosa podría moverse en cualquier momento”.
La escultura es audaz en sus demandas. La pintura tiende a colgar cortésmente en las paredes; La escultura ocupa espacio. Tomamos representaciones del cuerpo personalmente y reaccionamos con una curiosidad, empatía o asco rara vez provocados por cubos abstractos o trozos de metal. En nuestros dobles, reconocemos nuestra propia vulnerabilidad o recordamos las maravillas intrínsecas de estar dentro de la respiración, detectando cuerpos en flujo constante, trabaja en progreso formado por el trabajo, los genes, la vanidad y, en última instancia, el tiempo.
