Una de las innovaciones más significativas en la música grabada tuvo lugar hace un siglo en la ciudad de Nueva York. El 25 de febrero de 1925, Art Gillham, un músico conocido como “The Whispering Pianist” para su Gentle Croon, ingresó al estudio de Columbia Phonograph Company para probar un sistema eléctrico recién instalado. Su tótem estaba colocado frente a él, nivelado con su boca: un micrófono.
Este fue el momento en que la industria discográfica se volvió eléctrica. A finales de año, un escritor del periódico de Washington, DC La estrella de la tarde se maravilló en “la capitulación de los principales artistas musicales del mundo al poder del micrófono”. (La revolución del sonido de Hollywood con “talkies” no estaba muy lejos). Hoy, la técnica de micrófono de un artista puede ayudar a definir su sonido. Sin embargo, ninguna placa marca el lugar donde Gillham hizo historia con la primera grabación eléctrica lanzada comercialmente.
Los archiveros del sello más antiguo del mundo, ahora propiedad de Sony Music, no pueden confirmar la ubicación exacta del estudio. La mejor suposición Es un sitio ahora ocupado por el Rose Theatre, el lugar del Jazz en el Lincoln Center en el centro de Manhattan, donde alguna vez estuvieron las oficinas de Columbia. El edificio actual, un vasto complejo de vidrio en Columbus Circle, también alberga el estudio de grabación de Jazz en la etiqueta interna del Lincoln Center, Blue Engine Records.
Todd Whitelock, un ingeniero galardonado que dirige el estudio, llamado el advenimiento del micrófono el desarrollo tecnológico más importante en la música grabada. “Tiene que ser la parte superior de la pirámide”, dijo en una entrevista desde su estudio natal en Cranford, NJ
Thomas Edison inventó el fonógrafo en 1877, y el período hasta 1925 se conoce como la era acústica. Una bocina de grabación cónica capturaría la música que se está interpretando; Las ondas de sonido causaron que un lápiz óptico cortara las ranuras en un disco de cera giratoria, marcándolo con información de audio.
Whitelock recolecta registros antiguos de 78 rpm, que toca en un fonógrafo de victrola de windu. “Las grabaciones acústicas son magníficas, pero no hay un rango dinámico”, dijo. “Todo permanece al mismo volumen. Ya sea Pianissimo o Mezzo Piano o Forte, todo es una dinámica “.
Las primeras estrellas de canto más grandes provienen de la música clásica. En 1902, Enrico Caruso fue el primero en hacer un récord de un millón de ventas, un aria de la ópera “Pagliacci”. Su “voz fuerte y rica cubrió el ruido de la superficie inherente al disco”, Fred Gaisberg, el productor británico que persuadió al tenor italiano para ser grabado, escribió en un 1944 Artículo para la revista Gramophone.
Los cantantes no clásicos también confiaron en la proyección vocal. Bessie Smith, fisujada como “La Emperatriz de los Blues”, se llamó a sí misma una “Shouter”. Al Jolson se promocionó como “la cara negra con la gran voz de la ópera”. Aunque Jolson apareció en el pionero talkie “The Jazz Singer”, ni él ni Smith se adaptaron bien a la llegada de grabaciones eléctricas. Ambos estaban demasiado establecidos en sus caminos para adaptarse a las cualidades paradójicas de detalle y volumen del micrófono. Con la amplificación eléctrica, la persona más tranquila de la habitación puede ser la más ruidosa.
Los efectos se sintieron en la música. Los instrumentos podrían reproducirse con mayor fidelidad. Los bajistas ya no sufrirían la indignidad de ser suplementados por jugadores de Tuba. Pero los mayores beneficiarios fueron cantantes pop. Es muy sensible al tono y al matiz, el micrófono les dio personalidad, como las estrellas de Hollywood.
“Permitió que las personas que querían cantar de una manera diferente se destinaran”, dijo el restaurador de audio Mark Obert-Thorn, quien produjo una compilación llamada “1925: puntos de referencia del amanecer de la grabación eléctrica” Eso celebra el centenario del micrófono para Pristine Classical, una etiqueta de archivo con sede en Francia.
“Monumentos de referencia” Características de lo que se cree que es la primera grabación de las Sesiones de Columbia de Gillham, una canción de ruptura de lights-Light llamada “You May Be Lonesome”. El pianista susurrante lo acaricia conversación sobre una melodía de piano amable, tan informal como una llamada telefónica.
Jack Smith, otro cantante íntimo que sacaba un álbum llamado “The Whispering Baritone”, lanzó su primer disco en 1925. Al igual que Gillham, perfeccionó su voz suave en la radio. “Algunas de las personas que tuvieron más éxito en las primeras grabaciones eléctricas comenzaron en la radio, dominando el nuevo medio de cantar en un micrófono”, dijo Obert-Thorn.
Los sellos discográficos en First desconfied Radio, viendo la transmisión comercial, que comenzó a principios de la década, como si fuera la cubierta de la década de 1920, en efecto, regalando canciones de forma gratuita. “Observaron la radio y cualquier cosa que ver con la radio, como los micrófonos, como el enemigo”, dijo Obert-Thorn.
La disminución de las ventas récord obligó a las etiquetas a cambiar su tono en 1925. El principal rival de Columbia, Victor, instaló un sistema de grabación idéntico. Las primeras grabaciones hechas eléctricamente salieron a la venta en abril. Pero Columbia y Victor acordaron mantener el nuevo método en secreto para evitar alarmar al público que compraba registros. El comienzo de noviembre se estableció como la fecha de la gran revelación. Victor lo apodó el Día Victor.
“La reacción inicial al registro eléctrico no siempre fue positiva”, dijo Obert-Thorn. “La gente pensó que sonaban demasiado estridentes e metálicos. Se habían sentido cómodos con el sonido cálido de las grabaciones acústicas “.
Pero el oído público se aclimató rápidamente. Habiendo enfrentado una bancarrota en 1924, Columbia regresó a las ganancias en 1926. Los cantantes de susurro evolucionaron a cantantes, y los micrófonos emigraron a las salas de conciertos. Rudy Vallée afirmó ser el primer cantante en realizar un show en vivo con amplificación eléctrica, en 1930.
Los artistas contemporáneos están bien versados en cómo usar diferentes tipos de micrófonos y métodos para tener un impacto, ya sea la intimidad de primer plano de Billie Eilish, la potencia deledia de Adele o los flujos imaginativos y las autoridades de generaciones de raperos. Muchos de ellos trabajan con productores vocales, técnicos de estudio que actúan como “una mezcla entre un entrenador vocal y un productor discográfico”, dijo Simone Torres, con sede en Los Ángeles y ha trabajado con Cardi B y Becky G.
Al producir un vocalista, Torres elige qué tipo de micrófono usar, luego monitorea y ajusta el nivel de entrada mientras el cantante realiza. Ella también monitorea al artista: ¿están demasiado lejos del micrófono? ¿Necesitan un recordatorio para sonreír? (“Se puede escuchar cuando alguien está sonriendo con una grabación”, dijo.
Los movimientos de la boca exagerados ayudan a la enunciación. Celine Dion es un modelo sobre cómo cinturón, ligeramente alejado del micrófono. “Todavía estás obteniendo la plenitud de su voz, no va demasiado lejos”, explicó Torres. “Todo es muy inteligente”.
En la década de 1920, la primera ola de vocalistas en hacer uso de esta herramienta se conocía como “cantantes de micrófonos”. Los enmarcó y los encendió en primer plano, creando una nueva gama de estrellas. Cuando Ella Fitzgerald audicionó en Harlem para ser la “cantante de niñas” para una gran banda de jazz en 1935, la adolescente fue superada por la timidez mientras actuaba. “Bueno, tu voz es suave”, se le dijo la futura “Primera Dama de la Canción”, según una biografía de 1995, pero el micrófono “lo sacará”.
Y así lo hizo. La llegada del micrófono cambió no solo quién se escuchó en las grabaciones, sino también cómo escuchamos. “Es la misma experiencia que las personas que se ajustan para ver a Neil Armstrong dar sus primeros pasos en la luna”, dijo Whitelock, “ese momento de ‘Oh, Dios mío, estoy mirando a otro mundo’. O escuchar otro mundo. Era la luna de su tiempo “.
