Mel Bochner, un artista que produjo un trabajo embriagador y a menudo ingenioso en una multitud de medios, explorando los límites del arte, y el poder del lenguaje, en el dibujo, la pintura, la fotografía, la escultura, el grabado, los libros, las instalaciones y arte públicomurió el 12 de febrero en Manhattan. Tenía 84 años.
Su esposa, Lizbeth Marano, dijo que la causa de su muerte, en un hospital, fueron complicaciones de una caída.
En 1966, el Sr. Bochner (pronunciado Bok-Ger) tenía 20 años, viviendo en un piso de agua fría en el este de los 70 en Manhattan, escribiendo mini revistas de arte por $ 2.50 cada uno, enseñando historia del arte en la Escuela de Artes Visuales y Tratando de averiguar qué significaba ser un artista. Estaba haciendo lo que pensaba que era un trabajo “bastante horrible”: triángulos que cortó de espuma de poliestireno, por ejemplo, y cubierto de fibra de vidrio. Los humos de ese proceso también fueron horribles, por lo que se detuvo.
Cuando SVA le pidió que organizara una muestra de naves de Navidad ese año, se acercó a sus amigos Sol Lewitt, Eva Hesse y Robert Smithson, así como a otros artistas que admiraba, como Carl Andre, y les pidió bocetos de sus obras en curso.
SVA no tenía el dinero para enmarcar los dibujos, por lo que el Sr. Bochner los fotocopió: la escuela tenía una nueva máquina Xerox, y los recogió en cuatro carpetas, junto con copias de artículos de Científicos Americanos, Cálculos matemáticos y otros bits de información . Estableció las carpetas en pedestales blancos lisos y tituló el espectáculo “Dibujos de trabajo y otras cosas visibles en el papel no necesariamente destinadas a ser vistas como arte”.
Era una salva temprana en el floreciente movimiento del arte conceptual: la idea de que una obra de arte no necesitaba ser un objeto. Algunos dicen que puede haber sido la primera exposición conceptual. Las primeras son difíciles de probar, pero fue un momento decisivo, y los libros fotocopiados del Sr. Bochner inspiraron a generaciones de artistas.
“Fue un gran avance”, dijo James Meyer, el curador de arte moderno en la Galería Nacional de Arte de Washington. “Mel era un pionero en el arte conceptual. Pero su trabajo también complicó la noción simplista de que la idea por sí sola era el arte. Para Mel, la idea tenía que tomar la forma material. “No hay pensamiento que pueda existir sin un apoyo sostenible,” como él lo expresó “.
El Sr. Meyer agregó: “Siempre dijo que su trabajo era experimental. Fue una investigación. Se trataba de hacer preguntas: “Si hiciera esto, ¿qué pasaría?”
El Sr. Bochner comenzó a jugar con el lenguaje, haciendo una palabra de “retratos” de sus amigos. Renderizó a la Sra. Hesse como la palabra “envoltura”, que escribió en medio de una hoja circular de papel gráfico, con sinónimos para la palabra girando a su alrededor. Él y el Sr. Smithson escribieron e ilustraron un artículo inescrutable que concibieron como una obra de arte, y un poco de broma, inspirada en el planetario del Museo Americano de Historia Natural en Manhattan. Lo titularon “El dominio del Gran oso” y persuadieron la revista Art Voices para que lo publique. Para la revista Arts, el Sr. Bochner escribió Un artículo sobre los chicos de la playa en el que enumeró detalles personales sobre los miembros de la banda, incluidas sus alturas y pesos.
Estaba interesado en la filosofía y las matemáticas, el espacio y la repetición. En un show temprano, describió las paredes de una galería de Munich en cinta negramuescas de la cinta a intervalos de tres pies. Una vez cubrió una ventana de la galería con jabón y luego escribió los números 1 a 962 en la película de jabón. Organizó guijarros en los pisos de la galería y escribió en las paredes de la galería.
Apretó piezas de papel cuadriculado y tomó fotos de ellos. Reunió bloques de juguete en arreglos curiosos y los fotografió también.
Desplementó centavos, huelga de periódicos, tiza y cinta de enmascaramiento: “Materiales idiosincrásicos, apenas allí”, como lo expresó la crítica de arte de The New York Times, en una retrospectiva del trabajo temprano del Sr. Bochner en el arte de la Universidad de Yale en la Universidad de Yale Galería en 1995.
“Junto con su escritura innatamente hermosa”, escribió Smith, esos materiales dieron sus exploraciones espaciales y filosóficas “una vida visual irónica y atractiva que socavó las nociones tradicionales de permanencia artística, artesanía y valor”.
“A pesar de toda su supuesta cerebralidad”, concluyó la Sra. Smith, “el trabajo temprano de Bochner es firmemente resistente al análisis lingüístico. Apuntó a sus conceptos casi exclusivamente a la percepción inmediata, y su fusión de espacio mental y físico de la mente fue, y sigue siendo, algo nuevo “.
Melvin Simon Bochner nació el 23 de agosto de 1940 en Pittsburgh, uno de los tres hijos de Meyer y Minnie (Horowitz) Bochner. Su padre era pintor de letreros.
Incluso cuando era niño, Mel era un artista talentoso, asistiendo a clases en el Museo de Arte Carnegie de Pittsburgh. A menudo ayudaba a su padre, de quien aprendió a pintar cartas a mano alzada. Recibió una beca para asistir al Instituto de Tecnología Carnegie, donde recibió un entrenamiento clásico.
Después de graduarse en 1962, deambuló un poco: viajar a California y México, trabajando en trabajos extraños, luchando por reconciliar como artista con sus antecedentes de clase trabajadora. Pasó unos meses en Chicago, donde auditó los cursos de filosofía, antes de darse cuenta, dijo, que no quería estudiar filosofía, quería hacer las cosas. En 1964, se dirigió a la ciudad de Nueva York.
Su primer trabajo fue como guardia en el Museo Judío (Brice Marden acababa de dejar de fumar, así que hubo una apertura), pero fue despedido después de un año cuando fue descubierto para tomar una siesta detrás de una escultura de Louise Nevelson. (En esos días, se quedaba despierto toda la noche haciendo arte y venía a trabajar agotado).
En 2014, el Sr. Bochner regresó al museo con “lenguaje fuerte”, un espectáculo que se centró en sus pinturas de tesauro. Enormes piezas que comenzó a hacer después del turno del milenio, estas eran riffs en palabras existencialmente urgentes como “Dinero” y “Desprecio” y “Viejo,” que hizo magníficamente en colores de neón brillante, pintando sinónimos y frases para cada título que marchó por el lienzo, cariñando de lo convencional a lo vulgar. (“Viejo” concluye con las palabras “No se pueden levantar”). Las obras son a la vez cómicas y profundas.
El programa incluyó una pieza llamada “The Joys of Yiddish”, un guiño al libro clásico de Leo Rosten del mismo nombre, del cual el Sr. Bocherner recolectó algunos de los insultos más vívidos y queridos: “Nudnick”, “Schlemiel” y “Schmo “Entre ellos, y los pintó en amarillo sobre un fondo negro. Los colores se refieren no solo a la señalización de la calle clásica, sino que, más oscuramente, los brazaletes amarillos que los nazis obligaron a la gente judía a usar. Las palabras están separadas por comas porque, como explicó el Sr. Bochner, una coma indica que un pensamiento está en curso. Estaba usando la puntuación para señalar que el antisemitismo es interminable.
“Estamos viviendo una coma en este momento”, dijo en ese momento.
Un año antes, El Haus der Kunst en MunichEl Museo Neo-Clásico construido por los nazis en 1933, invitó al Sr. Bochner a organizar un espectáculo y crear un friso de “The Joys of Yiddish” para la fachada delantera del edificio. “¿No es esto una patada en los pantalones?” Recordó haber pensado, encantado de llenar lo que describió como un terrible agujero en la cultura alemana contemporánea.
Además de la Sra. Marano, al Sr. Bocherner, que vivía en Manhattan, le sobreviven sus hijas, Francesca y Pera Bochner; tres nietos; su hermana, Rita Wolfsohn; y su hermano, Arthur.
“En 1970, escribí en una pared de la galería, ‘El idioma no es transparente'”, dijo Bochner a los curadores del Instituto de Arte de Chicago en 2022, cuando el museo se celebró una retrospectiva de su trabajo. “Era una declaración de que todo el lenguaje tiene agendas y motivos ocultos. Lo primero que el poder corrompe es el lenguaje “.
Continuó: “Mi trabajo no aborda los problemas políticos directamente. En obras como ‘exasperaciones’ ” – una serie de grabados de frases que uno podría pronunciar cuando se exaspera, como “y qué” – “Quiero el significado de amanecer En el espectador, no los golpea. Pero, al mismo tiempo, estoy de acuerdo con Charlie Chaplin: “Si no es gracioso, no es arte”.
