La columna 212 revisita las instituciones de Nueva York que han ayudado a definir la ciudad, desde restaurantes tradicionales hasta inmersiones no reconocidas.
Actualmente proyectado en las paredes de Artists Space, una organización artística sin fines de lucro en Tribeca, son Dos películas de Carolyn Lazard que el artista de 37 años filmó dentro de un centro de entrenamiento en el Hospital Elmhurst en Queens. Lazard, que está discapacitado, dice que se acercan a su trabajo como un “paciente crónico”, a menudo abordando en sus videos e instalaciones la lentitud y el aburrimiento que han experimentado durante las visitas médicas frecuentes. En una de las películas, “Vital” (2025), los artistas Martine Syms y Cyrus Dunham interpretan a una futura madre y un médico durante una visita ficticia. Syms pasa por los movimientos de un chequeo típico, ella llega a la recepción, luego se desplaza ansiosamente por su teléfono en la sala de espera, antes de ser examinado por Cyrus, un relleno de último minuto para su obstetra habitual. Con una mirada en blanco, cierra la pregunta tras pregunta sobre las doulas y las epidurales, dejando al espectador preguntarse si lo que hemos visto es realmente una escena de atención.
Si bien es posible que no espere escuchar el golpe de un ultrasonido fetal en una galería de arte en el centro de Nueva York, en Artists Space, que ha sido una pizarra en blanco para las prácticas emergentes y experimentales durante más de 50 años, parece natural. Desde su fundación en 1972, la organización ha suministrado a cientos de escritores, curadores y artistas una plataforma alternativa que se distingue de vías de exposiciones tradicionales como museos y galerías comerciales. Cindy Sherman trabajó allí como asistente; Laurie Anderson organizó actuaciones tempranas en la galería. La organización sin fines de lucro también ha sido un centro para la música de vanguardia y la organización política. “Espero que el espacio se sienta como [its] Nombre: como un contenedor que se está rellenando “, dice Jay Sanders, director ejecutivo de la organización y curador jefe.
Desde 2019, Artists Space ha ocupado la planta baja y el sótano de una antigua fábrica de alfombras, su sexta casa. La estructura se sometió a una renovación multimillonaria que mantuvo intacta la gran fachada neoclásica del edificio, pero cortó una nueva entrada principal en un callejón a lo largo de su lado. En los últimos años, el vecindario que lo rodea se ha convertido en un destacado distrito artístico, con traficantes como David Zwirner y Hauser & Wirth Apertura de avanzadas cercanas. Sin embargo, cuando el espacio de los artistas llegó por primera vez al centro, el área estaba mucho menos desarrollada. Los artistas acababan de comenzar a mudarse a Soho en los años 60, tomando los cavernosos espacios loft dejados allí vacíos allí por los fabricantes textiles. Las galerías siguieron a finales de los años 60 y principios de los 70. La concesionario Paula Cooper, que defendió a los artistas conceptuales y minimalistas, abrió su espacio en 1968. Leo Castelli, un galerista que le dio a Roy Lichtenstein y Frank Stella sus primeras exposiciones individuales, y que anteriormente solo había operado en el Upper East Side, plantó raíces en el vecindario en 1971.
Fue en este paisaje de transición donde el crítico Irving Sandler y el administrador de las artes Trudie Grace se unieron para concebir el Comité para Visual Arts, Inc., como parte de una iniciativa piloto del Consejo del Estado de Nueva York sobre las artes. Su mandato era simple: solo presentarían artistas que no tenían representación de la galería y nunca antes se habían mostrado en la ciudad. Las primeras exposiciones, en el tercer piso de un edificio Soho Loft, funcionaron como un juego de etiqueta de mundo del arte, en el que Sandler invitó a cada uno de los tres artistas conocidos a nominar a otro artista. En octubre de 1973, para el segundo espectáculo de Artists Space, el artista conceptual Sol Lewitt eligió al escultor Jonathan Borofsky, quien presentó su proyecto de “contabilidad” en serie (1969-presente), para el cual el artista escribió números consecutivos en piezas de papel y los apiló con el objetivo de tentar de uno a la infinidad. Estos aparecieron junto a las piezas de los pintores McArthur Binion y Mary Obering, quienes fueron nominados por Ronald Bladen y Carl Andre.
El artista Robert Longo vivía en Buffalo con Sherman, su novia en ese momento, cuando se enteró por primera vez sobre el espacio de los artistas. La pareja dirigió un espacio de arte independiente propio, llamado Hallwalls, debajo del loft que compartieron con algunos amigos y, en 1976, la entonces directora de Artists Space, Helene Winer, que luego se convirtió en el concesionario de Longo y Sherman en la galería Metro Pictures, invitó a Hallwalls a participar en un espectáculo de intercambio. Seis artistas asociados con Hallwalls presentaron su trabajo en Artists Space, mientras que cinco artistas elegidos por Hallwalls en colaboración con Winer, el artista de performance Jack Goldstein y el pintor David Salle, entre otros, se exhibieron en Hallwalls. Longo recuerda que, mientras estaba organizando la exposición, él se autosuficiente de Buffalo a Nueva York y dormiría dentro de la galería. “El espacio de los artistas era como nuestra casa club”, dice.
A finales de los años 70, se fundaron dos movimientos artísticos estadounidenses distintos pero superpuestos en el espacio de Artists: The Pictures Generation y No Wave. La generación de imágenes, una cosecha de artistas jóvenes (Longo y Sherman entre ellos) que prestó atención a la cultura de los medios de comunicación al sumergirse en las imágenes de la televisión y las revistas, fue inaugurado por un programa de 1977, “Pictures”, comisariada por Douglas Crimp. Al año siguiente, Longo y el artista de Hallwalls Michael Zwack organizaron un festival de cinco días de música No Wave, un subgénero particularmente anárquico de punk que priorizó el ritmo y el ritmo sobre la melodía. El movimiento fue de corta duración, pero marcó un breve momento en que los mundos del arte visual, el cine y la música se unieron. El festival se anunció con volantes publicados en la ciudad en la lista de bandas participantes, incluidos Teenage Jesus y los idiotas, ginecólogos y ADN. El evento no tenía nombre y el precio de la entrada fue de $ 3. Asistió Brian Eno, quien había venido a Nueva York para trabajar en un álbum de Talking Heads; Más tarde produciría “No New York”, un álbum de compilación con bandas que interpretaron. La segunda noche del festival fue acortada cuando James Chance, el líder de las contorsiones de los saxofones, saltó a la multitud para comenzar una pelea con el crítico de música de voz del pueblo Robert Christgau.
Debido a que Artists Space opera como una organización sin fines de lucro, su equipo curatorial puede “ser puro en nuestra visión”, dice Sanders, y asumir riesgos. Esa libertad ha permitido a la organización organizar varios espectáculos históricos a lo largo de los años: en 1987, por ejemplo, el artista Jimmie Durham y el crítico Jean Fisher organizaron “We the People”, una de las primeras exhibiciones importantes del arte estadounidense indígena posmoderno que tiene lugar en un espacio de arte no indígena. Sin embargo, el estado sin fines de lucro de la organización también significa que su programación ha estado bajo el microscopio desde su inicio. Un conflicto notorio ocurrió en 1979, cuando Artists Space presentó una exposición de dibujos abstractos en carbón en blanco y negro de un artista blanco, Donald Newman, que incluía un insulto racial en su título. En respuesta, una coalición dirigida por Linda Goode Bryant, quien dirigía la galería justo por encima de Midtown, que destacó a los artistas de color, envió una carta al personal espacial de los artistas que describió la decisión como “una bofetada increíble en la cara”; Entre los firmantes estaban los artistas Howardena Pindell y Faith Ringgold y la crítica Lucy Lippard. El Consejo del Estado de Nueva York sobre las artes, que proporcionó el 60 por ciento de los fondos de la organización en ese momento, recibió cartas argumentando que el dinero de sus constituyentes se había utilizado mal para apoyar obras de arte ofensivas.
Another conflict came to a head in 1989, at the height of the AIDS epidemic, around the opening of the exhibition “Witnesses: Against Our Vanishing, a group show curated by the photographer Nan Goldin at Artists Space’s West Broadway gallery, to which the nonprofit had moved in 1984. An essay in the exhibition catalog by the artist David Wojnarowicz titled “Postcards From America: X-Rays From Hell” drew the ire of Los políticos y el National Endowment for the Arts, que tomaron un problema particular con una sección del texto que describió a la Iglesia Católica como una “Casa de las esvásticas para caminar” y criticó al cardenal John O’Connor, entonces el Arzobispo de Nueva York, que había hecho una campaña contra la distribución de la distribución de la información más segura. Show and Catáloga.
Hoy, el futuro de la financiación pública para las artes en los Estados Unidos es incierto. A principios de este año, la NEA impuso una condición de que los solicitantes de subvenciones deben dar fe de que no “promoverían la ideología de género” en respuesta a una orden ejecutiva firmada por el presidente Donald Trump el día de la inauguración; En marzo, la NEA suspendió el requisito después de que la ACLU presentó una demanda argumentando que la medida infringe la libertad de expresión. El presidente también firmó una orden ejecutiva en marzo destinada a eliminar el Instituto de Servicios de Museo y Biblioteca, un canal importante para la financiación federal de las artes, y en abril, la administración Trump anunció que reduciría los $ 65 millones del presupuesto del National Endowment for the Humanities. Hoy, Artists Space recibe la mayoría de sus fondos de donantes privados, pero una parte pequeña pero esencial de su presupuesto, menos del 10 por ciento, proviene de dólares públicos.
Los espacios alternativos como el espacio de los artistas son a menudo un punto accesible del primer contacto para nuevas ideas y prácticas emergentes. El programa de Lazard, por ejemplo, marca una evolución significativa en la obra del artista. Estudiaron un cine experimental en Bard College, por lo que hacer “Vital” fue la primera experiencia de Lazard trabajando con actores en un set de cine, así como su primera vez trabajando en el formato de narración narrativa. Nueva York ha cambiado mucho desde 1972. Muchos otros espacios alternativos y no comerciales prominentes han ido y venido a lo largo de los años, incluidos el arte de salida, el arte en general y las largas imágenes de metro, que cerraron en 2021. El espacio de los artistas y su misión, es uno de los pocos pilares de arte contemporáneo en la ciudad que sigue siendo intacta. El objetivo de la organización, en palabras de Sanders, es el mismo que siempre fue: “darle a un artista la capacidad de hacer un proyecto de ensueño, realmente, en sus propios términos”.
