En el estante
‘David Cronenberg: ensayos clínicos’
Por Violeta Lucca
Libros Abrams: 288 páginas, 50 dólares
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David Cronenberg ha estado entusiasmando y asustando al público durante más de 50 años. Pero como atestigua la escritora Violet Lucca en “David Cronenberg: Clinical Trials”, el cineasta canadiense ampliamente considerado como un maestro del terror es también una especie de autor incomprendido con mucho más en mente que shocks viscerales al sistema. Desde sus primeras películas de terror de bajo presupuesto, “Shivers” y “Rabid”, pasando luego a la ciencia oscura y retorcida de “Videodrome” y “Scanners” y las tragedias increíblemente tiernas y brutales “Dead Ringers” y “Crash”, la El director ha utilizado su vocabulario visual hiperbólico como vehículo para una exploración sociológica y psicológica matizada.
Con su libro profusamente ilustrado, Lucca nos ha brindado el análisis crítico más riguroso del trabajo del director hasta la fecha, replanteando la carrera de Cronenberg como algo más que el trabajo de un maestro del “horror corporal”, un término que ella considera reduccionista y desdeñoso. En lugar de ser un fácil buscador de emociones, Lucca sitúa en la obra de Cronenberg la mente de un moralista y crítico social con gusto por la sangre, y escribe que sus películas pueden abordarse a través de varios puntos de entrada críticos: como cuentos con moraleja sobre la demagogia en la era de la ciencia progreso, o la disolución del yo cuando se enfrenta a un mundo desbaratado por el dinero y el deseo.
Lucca, ex editor digital de Harper’s que ha escrito para el New York Times y Sight and Sound, se sintió atraído por el trabajo del director cuando era estudiante en la Universidad de Iowa “porque su trabajo tenía la misma apertura, ambigüedad y ferocidad” de el cine de autor europeo de mediados de siglo que entonces estaba estudiando.
En su introducción, se refiere al “maravilla y el terror” que experimentan los personajes de sus películas. “Muchas de las películas de Cronenberg me parecen profundamente tristes”, dice. “Existe una tremenda soledad que realmente me afecta”.
Una película que Lucca cita como ejemplo de esta extraña melancolía: la adaptación de Cronenberg de 1996 de la novela “Crash” de JG Ballard, en la que un productor de cine víctima de un horrible accidente se encuentra con un grupo de fetichistas excitados por las colisiones automovilísticas. . Es el enfoque empático, casi tierno, de Cronenberg hacia el material lo que humaniza la película; su enfoque tonal es más redentor que explotador.
“El sexo y la violencia son inextricables desde el comienzo de su carrera, ya sea que estés mirando ‘Stereo’, un pseudodocumental en blanco y negro de 65 minutos que hizo en 1969, o ‘Crash’”, dice Lucca. “Sí, su uso del sexo y la violencia son provocaciones. Pero también son un medio para ser más honestos acerca de lo que somos: carne que sangra, carne que tiene deseos. Siento que su uso del sexo ha sido más revolucionario, en gran parte porque se considera el mayor tabú en términos de la MPAA”.
En la primera mitad del libro, Lucca presenta algunas de las películas de Cronenberg a lo largo de un mapa del subconsciente, de modo que “Dead Ringers” de 1988, la historia de una codependencia mortal entre gemelos, se convierte en un ejemplo de la teoría de Carl Jung sobre la “anima” y “animus”, del deseo de los gemelos de reconciliar sus lados masculino y femenino, y “The Fly” de 1986 se convierte en una especulación sobre si la enfermedad puede alterar la propia identidad. Lucca no necesita que estés de acuerdo con ella: sólo quiere que la escuches.
“Estas películas son tan ricas en subtexto que puedes abordarlas de muchas maneras”, dice Lucca. “Quería ir más allá de la rareza superficial de una película como, digamos, ‘Naked Lunch’, y descubrir qué más están tratando de decirnos”.
Para Lucca, los trastornos anatómicos característicos de Cronenberg (todos esos viscosos y mutantes órganos corporales, tripas e intestinos que se derraman de sus personajes como juguetes furtivos) son la forma en que el director hace que las ansiedades de un personaje se manifiesten: el cuerpo delicuescente como metáfora del desequilibrio espiritual. “Cronenberg toma estas preocupaciones que todos tenemos y las analiza a través de este fantástico escurridor, para que lleguemos a vernos a nosotros mismos de una manera nueva”, dice Lucca.
Los críticos tienden a trazar una línea dura entre la estridente y llamativa inicial de las películas de bajo presupuesto de Cronenberg y las meditaciones psicológicas más pulidas y menos sangrientas que comienzan con “Una historia de violencia” de 2005. Lucca rechaza esa categorización y encuentra las mismas preocupaciones con el problema mente-cuerpo y el enigma de la identidad a lo largo de la carrera de Cronenberg. “Existenz”, de 1999, por ejemplo, es una película profética sobre nuestra singularidad tecnológica que avanza rápidamente y presenta un videojuego que se conecta directamente a la columna vertebral. También está el arquetipo clásico de Cronenberg: el gurú de la tecnología que vende con dureza el progreso científico como la salvación de la humanidad pero que, en realidad, está consumido por su propio mesianismo codicioso. En ese sentido, las películas de Cronenberg son alegorías inquietantemente proféticas de nuestro tecverso actual y de especuladores proselitistas como Sam Altman y Elon Musk.
Comenzando con sus proyectos de escuela de cine a principios de la década de 1970, David Cronenberg comenzó a trabajar con proyectos que incluían agudas críticas sociales en narrativas siniestramente portentosas. Su visión radical surgió de una naciente industria cinematográfica canadiense que, a principios de los años 70, todavía intentaba ganar terreno en el mercado global. Los primeros esfuerzos de Cronenberg fueron financiados por inversores privados deseosos de aprovechar generosos subsidios gubernamentales y exenciones fiscales: capital de bajo riesgo que permitía una creatividad de alto riesgo. A cambio, Cronenberg se convirtió en una estrella revelación y plantó una bandera para el cine canadiense en Estados Unidos y más allá.
Este es también el momento en que Cronenberg comenzó a reunir su duradero equipo de colaboradores: el compositor Howard Shore, la diseñadora de producción Carol Spier y un pequeño grupo de actores canadienses, muchos de los cuales han trabajado en múltiples películas de Cronenberg. “Estar rodeado de personas en las que puede confiar y que comprenden su visión definitivamente ha influido en la forma en que Cronenberg hace sus películas”, dice Lucca. “Todos han desarrollado la taquigrafía, que ayuda a no pasar días con un presupuesto de producción ajustado. Pero también hay una continuidad en cuanto al aspecto de las películas. Carol Spier es responsable de gran parte del tacto de la paleta visual de Cronenberg”.
Al igual que Stephen King, otro artista que utiliza tropos de terror para explorar verdades más profundas sobre la condición humana, Cronenberg está infravalorado porque a menudo ha trabajado dentro de los límites de la narración de género. El libro de Lucca desmiente esa idea errónea. King es un gigante literario que será leído mucho después de que deje de escribir y, si se hace justicia, las películas de Cronenberg también seguirán vivas. “El hecho de que algunos críticos y audiencias sigan ignorando las películas de Cronenberg es sólo un testimonio de su poder y necesidad”.
