La proliferación de documentales sobre servicios de transmisión dificulta la elección de qué ver. Cada mes, Seleccione tres películas de no ficción, clásicos, documentos recientes pasados por alto y más, que recompensarán su tiempo.
‘De las revistas de Jean Seberg’ (1995)
Alquilarlo Kanopía, Ovido y Vimeo.
Simultáneamente, una biografía, una historia cultural y un esfuerzo por ver detrás de las imágenes en la pantalla de la película, el ensayo visual de Mark Rappaport sobre la actriz Jean Seberg mantiene la apariencia de contar su historia en sus palabras. Seberg, interpretado por Mary Beth Hurt, es el narrador de la película y, en efecto, un monólogo, con una sorprendente variedad de clips de películas para la ilustración. Inicialmente, la película de Rappaport parece estar contando una historia de vida heterosexual, ya que Hurt’s Seberg describe sus antecedentes y cómo el director Otto Preminger la seleccionó de innumerables audicionios para interpretar a Joan of Arc en “Saint Joan” (1957). “La mala noticia fue que hicimos la película”, bromea Seberg. Ella reflexiona sobre ser mal y sobre la maldición que parece seguir a Joan of Arc Movies. “Era la primera vez que me quemaron en la hoguera”, dice mientras habla de incendiarse en el set, “pero no el último”.
Seberg relata el resto de su período de Peak Stardom: Preminger la lanzó más exitosamente en “Bonjour Tristesse” (1958); Jean-Luc Godard le dio lo que seguramente es su papel más recordado, en “Breathless” (1960); Y ella jugó un esquizofrénico en la “Lilith” de Robert Rossen (1964). La Seberg de “Revistas” cita a “Lilith” como su “experiencia laboral más gratificante”, aunque también suena preocupada por lo que ve como la perspectiva excesivamente masculina de la película, y cómo enfatiza la forma en que su personaje le da a Warren Beatty. Seberg, o “Seberg”, reflexiona sobre la frecuencia con la que frecuentemente encerró los ojos con la cámara de cine, algo que los actores profesionales generalmente no deben hacer.
Rappaport cita “jugado: la historia de Jean Seberg”, una biografía de David Richards, en los agradecimientos durante los créditos finales, pero en cierto punto queda claro que su Seberg es tan un acto de canalización o de imaginación – A partir de la historia. Uno a través de la línea de la película compara el apoyo de Seberg a los Panteras Negras con el activismo de la Guerra Anti-Vietnam de Jane Fonda y la defensa abierta de Vanessa Redgrave para la Organización de Liberación de Palestina. Ciertamente, para cuando Seberg, quien murió en 1979 a los 40 años, está hablando de los videos de entrenamiento de Fonda en la década de 1980 (“Ella asume posiciones que hacen que Barbarella se vea positivamente artrítica”), está claro que “de las revistas de Jean Seberg” también es un acto de especulación. A través de Seberg, Rappaport reflexiona conmovedoramente sobre el doble rasero de la historia. (En un país “donde incluso Richard Nixon puede resurgir como un distinguido estadista mayor”, dice, “es sorprendente que el llamado comportamiento traicionero de Jane sea recordado 15 años después”).
La calidad visual de los clips, aparentemente procedente de video, se ve pobre hoy; Es especialmente doloroso ver las maestras composiciones de Cinemascope de Otto Preminger en “Bonjour Tristesse” recortadas para televisión. Pero la nitidez de las ideas en “de las revistas de Jean Seberg” permanece.
‘David Lynch: The Art Life’ (2017)
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David Lynch, quien murió a principios de este mes, realmente se juega a sí mismo en este documental, que es más una historia de origen que una descripción general de la carrera: al terminar con la creación de “Eraserhead” (1977), su primera característica, mantiene el enfoque Sobre los factores que dieron forma al mundo creativo de Lynch. “Tuve la idea de que bebes café, fumas cigarrillos y pintas, y eso es todo”, dice Lynch sobre su impresión juvenil de lo que sería ser un artista. “Tal vez, tal vez las chicas entran un poco, pero básicamente es la increíble felicidad de trabajar y vivir esa vida”.
La película a menudo lo muestra trabajando en sus pinturas, con Lula Boginia Lynch, su pequeña hija, dando vueltas. En un momento, casi cómicamente, se pone una composición de Angelo Badalamenti para ella y la rebota en su rodilla. La mezcla de lo sano y lo inquietante parece haber existido para Lynch desde una edad temprana. “Nunca escuché a mis padres discutir nunca sobre nada”, dice. “Se llevaban bien como Ike y Mike”. Pero las nubes oscuras comenzaron a reunirse temprano. Lynch cuenta la historia de, cuando es niña, ver a una mujer desnuda, con una boca posiblemente ensangrentada, saliendo de las sombras y por la calle. (Esta anécdota, a menudo citada como una inspiración para el “terciopelo azul”, no será nuevo en el devoto Lynchian, pero aún es espeluznante escuchar a Lynch decirlo). La familia se mudó de Idaho a Virginia, un lugar que dice Lynch “” ” parecía siempre noche “.
Era otro artista, Bushnell Keeler, el padre de un amigo, que proporcionó la chispa crucial. Incluso al escuchar que Keeler era pintor, Lynch dice: “Sopló todo el cableado, y eso es lo que quería hacer desde ese segundo”. Él acredita a Keeler por darle empuje crucial tanto con su padre como con la educación.
¿Cuánto proviene de la mente del artista y cuánto proviene de la forma en que esa mente interactúa con las experiencias de la vida? Es posible que se encuentre reflexionando sobre preguntas tan embriagadoras como Lynch describe vivir en Filadelfia (donde, al menos en aquel entonces, sintió un “miedo grueso y grueso en el aire”) y recuerda el tiempo que su padre, horrorizado por sus experimentos de arte, dijo a sus experimentos de arte. él nunca debería tener hijos. California Sunshine (“estaba sacando miedo”) y la escuela de cine eran antídotos aparentes. Lynch era conocido por su renuencia a explicar su arte, pero por este documental ganador e improbablemente dulce, estaba dispuesto a explicar su espíritu.
‘Diaries de caja negra’ (2024)
De las cinco características nominadas para un Oscar al Mejor documental este año, una de las más inventivas formalmente es “Black Box Diaries”, dirigida por el periodista Shiori Ito, quien hizo pública una acusación de violación contra un corresponsal de televisión en 2017 y se convirtió en Una cara del movimiento #MeToo en Japón. En el documental, narra sus propios esfuerzos periodísticos para investigar el caso, así como para lidiar con las consecuencias personales y emocionales de lo que le sucedió. (Ella ganó una demanda civil en 2019)
En un momento, Ito habla de cómo, al menos inicialmente, ella sintió que la mejor manera de volver a visitar estos eventos fue desde una especie de perspectiva en tercera persona. La película la muestra en el proceso de completar un libro, “Black Box”, que se publicó en los Estados Unidos en 2021, mientras intenta hacer que los sujetos sigan el registro, y mientras se ocupa del proceso de edición y con abogados . Hay imágenes horribles de la cámara de seguridad de que ella sea arrastrada en un estado de aparente semiconsciencia en el hotel la noche en que se dice que el asalto tuvo lugar, y hay un audio contemporáneo de un investigador al primero retrocediendo en serio.
Pero como su título lo indica, “Black Box Diaries” también es una película en primera persona: ITO incluye un video de sí misma en estados emocionalmente vulnerables. Ella también tiene lo que parece ser una cantidad justificable de paranoia. (Se muestra buscando en un apartamento para las escuchas telefónicas). Y la película pone de relieve la forma en que la sociedad japonesa ha dificultado que las mujeres ganen en casos de desconductos sexuales. En imágenes de la Legislatura, un legislador cuestiona por qué el hombre acusado de violación no fue arrestado. “Le pido que deje de hablar de ciudadanos privados en el Parlamento”, dice el presidente. “Hablamos de ciudadanos todo el tiempo”, responde el legislador.
